Melomanía solitaria

Orfeo de Tracia

Ahí están mis discos, mis innumerables discos. Nunca los he contado. Lo hice hasta hace unos ocho años, cuando aun me era posible reconocerlos. Pero desde hace un tiempo, ya no lo hago. Dejo que siga creciendo su número hasta donde el espacio y la vida lo permita. 

Más allá de la indeterminación cuantitativa, mis discos son testigos de lo que ha ido ocurriendo en mi existencia. Y son símbolos de lo que constituye mi experiencia como humano. Todo pasa, todo podrá irse; lo que va del ser al no-ser. La contingencia.  Pero lo que sigue, me acompaña, me comprende, me arropa, me conmueve y permanece con la mayor lealtad, es mi música. Lo necesario. 

No creo que me pase lo que ocurrió a Orfeo una vez que perdió a Euridice por segunda vez. No creo que pierda a la música. Estoy seguro que no la perderé jamás. E incluso, estoy convencido que tras mi encuentro con la muerte, me habré convertido en música. Seré libre en esa transmutación final. Nada me atará, nada me encadenará. Andaré por el espacio ilimitado y al fin podré ser yo mismo.

Spiegel im spiegel de Arvo Pärt.  Una de mis posible transmutaciones después de la muerte. 

Lista de 10 composiciones esenciales de Arvo Pärt. Modesta apreciación.

Arvo Pärt (Estonia, 1935)

Arvo Pärt reflexiona sobre si la música empieza en la música (arte) o desde algo más profundo e inocente, como un juego de niños: "Quería liberarme y distanciarme de hacer arte artificial. Más bien buscaba combinar dos cuestiones diferentes, a saber, el arte y la vida, el arte y el ser. Este enfoque proviene de un punto de vista completamente diferente y tiene un punto de partida diferente. No tiene que empezar desde el arte...Hay que empezar desde cero, desde el principio, más allá del arte...si no existiera el esfuerzo continuo que empezar desde el principio, no habría arte. No puedo evitarlo, tengo empezar de cero. Estoy tentado de hacer música  sólo cuando experimento algo desconocido, algo nuevo y significativo para mí" (En: Fuentes de la Invención. Entrevista con Geoff Smith.).

Eso es más o menos lo que siento y pienso cuando escucho composiciones de Arvo Pärt. Música que viene desde el origen, como si nunca hubiera existido música. Es obvio  que hubo mucha música antes. Pero cuando escucho a Pärt, es como si me situara en el grado cero del sonido, casi en el umbral del no ser. Reconozco que ese ser- en infinita debilidad- es narrado por Arvo Pärt desde la disolución del todo que es, paradójicamente, la conformación de las partes y del todo. Todavía no estamos preparados para entender bien esta música, su música, que sintetiza la idea y la forma: desde Hildegard a Berio. 

Propongo 10 composiciones esenciales de Arvo Pärt, un día después de la muerte de Lou Reed. Es curioso, escucho a Pärt para recordar a Lou Reed, como ver Roma desde Jerusalem. 

1. Tabula Rasa. 1977. Dos movimientos: Ludus y Silentium. 

2. Für Alina. 1976. 

3. Frates. Versiones desde 1977 a 2008. Todas son hermosas

4. Lamentate para piano y orquesta. 2002. En 10 movimientos. 

5. In Principio para coro y orquesta. 2003

6. De Profundis para coro masculino, percusión y organo. 1980

7. Stabat Mater para tres cantantes y trío de cuerdas. Secuencias. 1985

8. Spiegel im Spiegel para dos instrumentos. 1978

9. Sinfonía 4. "Los Angeles" 2010.

10. Kanon Pokajanen. 1998.

Stabat Mater de Arvo Pärt. Inmensa obra a pesar de un humilde forma. Verdadera oración al infinito. Una de la cumbres de la música religiosa de todos los tiempos.

Mozart por Messiaen

Cuando se cumplieron 200 años de la muerte del gran Mozart, la revista Correo de la UNESCO dedicó un número entero al gran maestro del clasicismo. He vuelto a leer el emocionado y certero testimonio que escribió Olivier Messiaen con ocasión del bicentenario de 1991. Deseo compartirlo con ustedes, para volver a ponderar la genialidad de Mozart desde la óptica de un compositor notable del siglo XX.

Todo Ángel es Terrible

Por Olivier Messiaen

"Lo bello no es más que un grado de lo terrible. Lo admiramos, porque permanece impasible y desdeña destruirnos." Estas palabras de Rainer María Rilke se aplican perfectamente a la música de Mozart. Música pura y perfecta. Mozart es el más músico de los músicos. En vano se buscaría un error en su obra.

El acento en Mozart. En sus ritmos femeninos, el acento está en el lugar apropiado. La melodía en Mozart. Líneas melódicas tan personales, tan poéticas. ¡Qué gracia en el aria de Susana de las Bodas, qué dulzura de trino en el andante de la sinfonía Haffher.  La armonía en Mozart. Siempre leve, siempre esperada, siempre verdadera. Armonía suave cuando es tonal (el Ave verum, el movimiento lento de la sinfonía Júpiter). Armonía angustiosa cuando es cromática (la sinfonía en sol menor, y el andante del concierto para piano en la mayor K. 488, y el movimiento lento del concierto Jeunehomme). Armonía desconcertante a veces, como en la asombrosa escena de la Estatua del Comendador al final de Don Juan, donde se encuentran ya (realzadas por los trombones) dos sonoridades predilectas de Debussy: el acorde de quinta y cuarta, y un acorde alterado que pertenece a la gama por tonos. La forma en Mozart. Siempre perfecta y siempre distinta (las grandes sinfonías y los conciertos para piano). El teatro en Mozart. Hombre de teatro por excelencia, Mozart, de una sola vez y con un aria definitiva, crea un personaje (Querubín, la Condesa, Sarastro, Papageno). Sus finales de acto son obras maestras escénicas. Pierre Jean Jouve ha dicho que el final de Don Juan era "una de las páginas formidables de la Música".

En Mozart la orquestación posee la misma autenticidad que el acento, la línea melódica, las armonías, la forma. Mozart que- antes que Berlioz- tuvo el sentido del timbre específico. Primer ejemplo: el trío del minueto de la sinfonía en mi bemol (K. 543) donde los dos clarinetes superponen el agudo al caramillo del instrumento, la flauta hace eco, y el cromatismo de los violines llama a las dos trompas, cálidas y aterciopeladas. Segundo ejemplo: la súplica de las tres máscaras negras, antes de la fiesta en Don Juan, en que las vocalizaciones de las dos voces femeninas están sostenidas sólo por la voz del tenor, las trompas y la madera. Tercer ejemplo: en la Zauberflöte, el efecto casi moderno del "glockenspiel" solo en el agudo, acompañado por el coro masculino enel grave pianissimo. Cuarto ejemplo: la escena del baile en Donjuán con, antes que Darius Milhaud, sus cuatro músicas superpuestas: la gran orquesta, dos pequeñas orquestas en el escenario y las réplicas de los personajes.

Se han hecho de Mozart varios retratos: el niño que toca el clavicordio para las damas de la corte, el hijo respetuoso de su padre Leopold, el joven enamorado de todas las cantantes, el servidor insultado presentando airadamente su renuncia al malvado príncipe-arzobispo, el genio incomprendido, que muere de hambre, de frío yde cansancio. Todas esas imágenes son verdaderas y falsas a la vez. El adjetivo "angelical" es tal vez el más apropiado. Angelical, sí, y, por ese motivo, sumamente difícil de comprender y de interpretar. Su encanto aparente esconde un profundo misterio. Como ha dicho también Rainer Maria Rilke: "Todo ángel es terrible".

Rachmaninov y la grabación musical. Extractos de una entrevista

En plena ejecución (

En abril de 1931, la revista  inglesa Gramophone le realizó una entrevista al gran compositor ruso Sergei Rachamaninov (1873-1943). En la misma, el músico ofreció sus percepciones acerca del impacto de la grabación y las posibilidades de ésta en el quehacer interpretativo. Transcribimos algunos pasajes sobre el tema

 Hace poco me pidieron que expresara mi opinión sobre el valor de la musica en el contexto de la radiodifusión. En mi opinión, la radio tiene una mala influencia en el arte, pues destruye toda el alma musical y el verdadero significado de la música. Desde entonces, muchas personas se han  sorprendido de mi intensa aversión a la radio y les parece paradójico, puesto que ésta  ayuda a la difusión mis propias grabaciones. Ven en la grabación y la radiodifusión conexiones misteriosas e íntimas.

A mí me parece que el gramófono moderno y los modernos métodos de grabación son musicalmente superiores a la transmisión inalámbrica en todos los sentidos, sobre todo cuando se trata de la reproducción del piano. Estoy de acuerdo en que la grabación de piano no siempre fue tan exitosa como lo es hoy. Hace doce años, cuando yo estaba haciendo mis primeros discos con Edison en Estados Unidos, el piano salió con un tono tintineo delgado. Sonaba exactamente como la balalaika rusa, que, como ustedes saben, es un instrumento de cuerda parecido a la guitarra. Y los resultados producidos por el proceso acústico cuando comencé a grabar la versión masterizada en 1920 estaban lejos de ser satisfactoria. Es sólo el perfeccionamiento del registro eléctrico durante los últimos tres años, junto con las recientes mejoras en los propios gramófonos,  es lo que nos  ha dado una mejor reproducción del piano; una fidelidad, una variedad y profundidad de tono que casi no podría ser mejor. No tengo ninguna duda en afirmar que las grabaciones de piano moderno hacen justicia completa al pianista.

Hablando desde la experiencia personal, siento que mis registros sonoros sólo pueden ayudar a aumentar mi prestigio como artista. No es que los resultados sean excelentes, porque cualquier medio de grabación  limita el propio trabajo. Pero he escuchado muchos discos bien grabados por pianistas diferentes y en todos los casos han sido capturados los elementos esenciales de la actuación del artista  y ésta se  conserva.

De hecho, a través del gramófono podemos ofrecer espectáculos públicos muy similares a las que damos en los conciertos. Nuestros registros no deben defraudar a los oyentes más críticos que nos ha escuchado en vivo. Para millones de personas que no tienen oportunidad de hacerlo, las grabaciones transmiten una impresión justa y precisa de nuestro trabajo. Además, lo más importante para mi es que  la grabación permite al artista cerciorarse de la calidad de su propia interpretación.

Siendo un pesimista por naturaleza,  es  raro que esté contento con mis actuaciones, porque a menudo que creo que podrían haber sido mejores. Y al hacer registros, en realidad, creo que es posible lograr algo parecido a la perfección artística. Si una, dos o tres veces no se tocan tan bien como yo quisiera, es posible grabar y volver a grabar, y rehacerla hasta que, por fin, me encuentre contento con el resultado.

Rachmaninoff toca su propio concierto segundo para piano.

 

Requiem en un cuarteto de cuerdas: El cuarteto para cuerdas N° 8 en do menor de Shostakovich

Lucifer en el Dite. Gustave Doré. Canto 34 del Infierno de Dante. 

La relación emocional que puedo establecer  con el cuarteto de cuerdas N° 8 en do menor  Op 110 de Dimitri Shostakovich es contraria. Por un lado, durante su escucha y tras ésta,  me hace doler como pocas obras me hacen doler; es decir, me duele todo lo que el alma contiene. Es una experiencia de dolor absoluto, de raíces que tienen su origen en el lado oculto de nuestra naturaleza. Por otro lado, este cuarteto me deslumbra; es decir, es de tal envergadura formal, que me deja sin juicio. ¡Cómo se puede componer algo así!

Los que conocemos algo de la vida del torturado Shostakovich, podemos encontrar las huellas de todo esto. ¿La segunda guerra mundial? Claro que si. ¿El Stalinismo? Si ¿La guerra fría? Si. ¿Los seres queridos muertos? Ciertamente. ¿Un mundo sin Dios? Es evidente. ¿La muerte como experiencia de la nada? Sin duda. Pero también el arte, la vida y Beethoven. Si, Beethoven, el amado músico de Shostakovich. 

Shostakovich, dijo en una oportunidad que este cuarteto era su propio Requiem; un Requiem compuesto en 1960 en la ciudad de Dresde, ciudad que quedo en escombros tras los bombardeos aliados. Por eso aquí todo muere. El mismo Shostakovich se esta muriendo en su cuarteto. 

Por alguna razón recuerdo el final de Abadón, el Exterminador de Ernesto Sábato. Ahora pienso que al fin, este bello texto del gran escritor argentino, tiene por fin su propia música. 

Es el alma un extraño en la tierra?

Adónde dirige sus pasos?

Es la voz lunar de la hermana a través de la noche sagrada

la que oye el peregrino

el sombrío

en su barca nocturna

en los estanques lunares

entre podridos ramajes, entre muros leprosos.

El delirante está muerto

se entierra al extraño.

Hermana de tempestuosa tristeza

mira!

Una barca angustiada naufraga

bajo las estrellas

el  rostro callado de la noche.

Porque no hay poesía festiva, alguien había dicho, pues quizá sólo del tiempo y delo irreparable puede hablar. Y también alguna vez se dijo (pero quién, cuándo?) que todo un día será pasado y olvidado y borrado: hasta los formidables muros y el gran foso que rodeaba a la inexpugnable fortaleza.

Los movimientos del cuarteto número 8 en do menor Op 110 de Shostakovich son: Largo, Allegro molto, Allegretto, Largo  y Largo. 

El universo púrpura. Deep Purple: La academia de Hard Rock

Sobrevivientes de la gran era del Hard Rock. Deep Purple 2013. De izquierda a derecha: Roger Glover, Ian Paice, Ian Gillian, Don Airey y Steve Morse

Este 2013 Deep Purple ha publicado un nuevo álbum:  Now What?!, ocho años después del anterior disco. A estas alturas, pedirle a Deep Purple una obra maestra, sería desmesurado. La "escuela púrpura" nos ha regalado en 45 años de carrera grandes momentos, cimas del hard rock en todas sus variantes posible. Además, porque la gran banda británica fue el origen de otros grupos y de diversas experiencias musicales. A diferencia de Led Zeppelin y de Black Sabbath, Deep Purple ha sido una verdadera academia de rock, con ochos formaciones distintas y un sinnúmero de bandas que se formaron de su tronco. El nuevo disco grabado de los purple nos sirve de ocasión para entender este árbol frondoso de música de calidad y de una perseverancia notable en el tiempo. 

De Deep Purple, surgieron dos grupos de enorme repercusión en la historia de Hard Rock: Rainbow y Whitesnake. Y, en la última década, la banda tristemente fenecida en el 2012: Black Country Communion. Aunque nunca se sabe.

La Galaxia de Rainbow

En 1975, Ritchie Blackmore sale de Deep Purple debido a la orientación estética y musical que adquirió el grupo por la presencia del binomio Hughes-Coverdale. Blackmore, músico ambicioso, se embarcó en un proyecto personal de largo alcance: Rainbow. Bajo el liderazgo indiscutible de Blackmore, Rainbow fue la banda en la se dió a conocer uno de los grandes cantantes de todos los tiempos: Ronnie James Dio. Con Dio, Rainbow grabó sus tres primeros discos discos. Además, Rainbow incluyó a Robert Glover en el bajo, quien había salido de Deep Purple con Gillian, tras la entrada de Coverdale y Hughes. Dio llegó a ser el segundo vocalista de Black Sabbath (tras la expulsión de Ozzy Osbourne) y después formó su propia banda. También en Rainbow llegaron a cantar Grahan Bonnet, después cantante de Alcatrazz (con Yngwie Malmsteen en la guitarra) y Joe Lynn Turner, quien estuvo después en Deep Purple Mark V y en HTP, junto a Gleen Hughes. Finalmente, tras su cincuentena, en 1995, Ritchie Blackmore disuelve Rainbow y junto a su esposa Candice Night, forman Blackmore's Night, banda de estilo ecléctico, que une indefinidos estilos y tendencias. Blackmore sigue a sus 68 años produciendo y girando con su última banda. 

De algún modo, la historia de Rainbow fue la que posibilitó la historia de Dio. Pues si hay algo que unió estéticamente a Blackmore con Ronnie James Dio, fue la preferencia por la temática épica y cierta inclinación por el ocultismo en su ámbito literario. Obviamente, la carrera de Ronnie James Dio también esta ligada a la de Black Sabbath, pues fue su segundo vocalista. Además cantante de la experiencia de Heaven and Hell (Dio, Iommi, Butler, Appice) que duró hasta 2010 tras la muerte de Ronnie Dio. 

La estrella de Whitesnake

Cuando se dió el primer fin de Deep Purple, el tercer cantante de los purpurados, David Coverdale, forma su propia banda: Whitesnake. Whitesnake, ha llegado a reunir en una carrera que poco a poco se acerca a la cuarentena, a muchos músicos de primer orden: Cozy Powell, John Sykes, John Lord, Roger Glover, Adrián Vandenberg, Rudy Sarzo, Stave Vai, entre otros. En claro que la carrera de Whitesnake esta unida al proceso creativo de Coverdale, al extremo que este enorme cantante ha sido su único miembro permanente desde 1976. Aun cuando no existe una relación entre Whitesnake y  el super grupo Coverdale and Page, junto al guitarrista de Led Zeppelin Jimmy Page. Asimismo, hay que recordar que Blue Murder, una excelente  banda poco conocida en nuestros días, tuvo como fundador y líder a John Sykes (guitarrista de Whitesnake por varios años) y a Cozy Powell (baterista de la primera época de Whitesnake y sesionista de innumerables bandas). No hay que olvidar que por Whitesnake también pasaron los miembros del núcleo duro de Deep Purple (el tecladista John Lord, el bajista Roger Glover y el baterista Ian Paice). 

 

La Supernova Black Country Communion

Black Country Communion fue una auténtica supernova cuando apareció en el 2010. Y con sólo tres discos puede estar a la altura de las grandes bandas de hard rock. Tres álbumes que consumieron una energía similar para iluminar todo el universo. ¡Qué grupo! ¡Y qué lástima su repentina disolución en 2012!. Cuando en 1975 se puso punto aparte a la historia de la primera etapa de Deep Purple, Gleen Hughes, bajista y cantante sobrenatural, intentó reconstruir su carrera ya sea como solista, cantante de una extraña reencarnación de Black Sabbath o acompañado de Joe Lynn Turner en Hughes Turner Proyect. Sin duda, la experiencia solista de Hughes y sus innumerables colaboraciones con otros grandes,  fue interesante y tuvo resultados muy buenos. Pero no llegó a trascender. Felizmente Kevin Shirley, productor del extraordinario guitarrista Joe Bonamassa, tuvo la idea de reunir a Glenn Hughes junto a Bonamassa y, a partir de esta primera experiencia, convocar a  Jason Bonhan (hijo del Bonzo Bonhan y de larga carerra) y a Derek Sherinian (tecladista de sesión e inspirado compositor). El resultado: Black Country Communion. Así, Glenn Hughes pudo por fin demostrar quién había sido en los setentas a una nueva audiencia y reafirmar por qué es el más grande vocalista de la historia del rock. Pues con Glenn Hughes no podemos ser mezquinos. Este hombre canta mejor que nadie. Y claro, Joe Bonamassa es simplemente Joe Bonamassa. Un guitarrista que proviene del blues pero que sabe construir música de acero si lo decide bien. Lástima que Black Country Communion nos dejó. Y peor, dejó Hughes sin banda reconocible. Pues Kings Of Chaos no es más que un grupo de amigos que nos divierten divirtiéndose, pero todavía no tienen la estructura de una banda. Pero en fin. BCC existió y las huellas de Deep Purple Mark III y IV se perciben en ellos a leguas.

La persistencia de Deep Purple

Como hemos visto, Deep Purple dió origen a otras grandes bandas. Y todavía, siguen dando vueltas alrededor del mundo con su gran música. Tras la salida defintiva de Ritchie Blackmore, Steve Morse tomó su lugar. Y después de la breve estancia de Joe Lynn Turner (1989-90), Ian Gillian ha sido su vocalista reconocible. Gillian ha estado con Deep Purple en varios momentos: 1969-1973, 1984-1989 y desde 1992 hasta la fecha. Recordemos que Ian Gillian fue el tercer vocalista de Black Sabbath, grabando un disco de culto: Born Again de 1993.  Asimismo, el bajista Roger Glover ha sido otros de los miembros permanentes de Deep Purple, desde 1969. Sin embargo, el único miembro que ha estado desde el principio es el baterista Ian Paice, quien es parte del combo desde 1968. Debemos mencionar al gran John Lord, tecladista de Purple desde sus orígenes hasta 2003, año en que deja la banda por cuestiones de salud. Lord falleció en 2012 a los 72 años.

Debemos recordar que Deep Purple vivió un largo receso entre 1975 hasta el retorno triunfal de 1984. Justamente aquel hiato de tiempo permitió el desarrollo de Rainbow y de Whitesnake. Hoy en día Deep Purple esta formado por Ian Gillian en la voz, Steve Morse en la guitarra, Roger Glover en el bajo, Don Airey en el teclado y Ian Paice en la batería. 

Deep Purple Mark I (1968-1969): Voz: Rod Evans, Guitarra: Ritchie Blackmore, Bajo: Nick Simper, Teclado: John Lord, Batería: Ian Paice. Hush del disco de 1968 Shades of Deep Purple. 

Deep Purple Mark II (1970-1973): Voz: Ian Gilllian, Guitarra: Blackmore, Bajo: Roger Glover, Teclados: John Lord, Batería: Ian Paice. Highway Star del álbum Machine Head de 1972. 

Deep Purple Mark III (1973-1975): Voz: David Coverdale, Bajo y voz: Glenn Hughes, Guitarra: Blackmore, Teclados: John Lord, Batería: Ian Paice. Sail Away de album Burn de 1974.

Deep Purple Mark IV (1975-1976): Voz: Coverdale, Bajo y voz: Glenn Hughes, Guitarra: Tommy Bolin, Teclados: John Lord, Batería: Ian Paice. Del disco Come Taste the Band de 1975, una joya: You keep on Moving. 

El retorno de Deep Purple Mark II (1984-1989). En 1984. la formación de 1970-1973 se vuelve a reunir y graba: Perfect Strangers. De ese mismo disco extraemos la canción que le da título al álbum. 

Deep Purple Mark V (1989-1992): Voz: Joe Lynn Turner, Guitarra: Blackmore, Bajo: Roger Glover, Teclados: John Lord, Batería: Ian Paice. Del disco Slave and Masters de 1990: King of Dreams.

Segundo retorno de Deep Purple Mark II (1992-1993). En 1993. la formación de 1970-1973 se vuelve a reunir y graba: The Battle Rages On...en 1993. Aquí la canción del mismo título.

Deep Purple Mark VII (1994-2002): Voz: Ian Gilllian, Guitarra: Steve Morse, Bajo: Roger Glover, Teclados: John Lord, Batería: Ian Paice. En 1996 Deep Purple graba Purpendicular. De este disco una bella canción: Sometimes I feel like screaming.

Deep Purple Mark VIII (2003- presente): Voz: Ian Gilllian, Guitarra: Steve Morse, Bajo: Roger Glover, Teclados: Don Airey, Batería: Ian Paice. Esta es la última formación de los purpurados. Como decíamos al principio, en 2013 se edita Now What?!. De ahí extraíamos Vincent Price. ¿Habrán más cambios? ¿Habrá futuro para Deep Purple? Al parecer, estos señores cercanos a las setentena, siguen en la ruta. 

Concierto para violín, piano y cuerdas en re menor MW04 de Mendelssohn: trece es la edad

Felix Mendelssohn a los 12 años. 

Compuesto en 1823, cuando el maestro contaba con 13 años. Dentro del periodo juvenil de la obras de Mendelssohn que no constan con el catálog OP ni el WoO. Así, las que muestran la catalogación MW, suelen ser las primeras. 

Honestamente no conozco casi nada sobre el origen de este monumental doble concierto que posee uno de los mejores temas iniciales que se pueden oír en el repertorio de Mendelssohn. Las huellas de Mozart y de Schubert son bastante elocuentes en este concierto. Pero la presencia de Bach es tan clara que conmueve reconocer cómo el prodigioso Felix se encontraba tan embebido del gran Bach. Un joven bachiano que hizo tanto por el "cantor de Leipzig". 

Los movimientos del doble concierto en re menor son: Allegro, Adagio y Allegro Molto. Recuerden que lo hizo a los ¡13 años!. Maravilla¡¡¡

1. Allegro

2. Adagio



3. Allegro molto