tag:blogger.com,1999:blog-65537643373611444362024-02-19T08:59:30.141-08:00Melomanía y otros estados sensorialesMúsica, artes y pensamiento sensibleRicardo Falla Carrillohttp://www.blogger.com/profile/15092340941371854802noreply@blogger.comBlogger755125tag:blogger.com,1999:blog-6553764337361144436.post-61375536689387481602023-12-11T16:27:00.000-08:002023-12-11T16:27:52.005-08:00Presentación de: Indagaciones sonoras diálogos entre la música y el pensamiento en tres movimientos<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHGAlR9hIA5ylhzSyhB0bjHSgIv6FXsnMh5EhPsUD0K3kKwRy8Fb7LfwWSdD3XOqknA9pog44Kv1Y7aOkWD83RrrfZ02kAH9ZPXvA8vhyphenhyphenNutGmcWgLFn2TJkBVhBCKmJu6K5D0hAvLO83rGFbYSYN_nz5CztwWi_iqiJSiwwoFrXClz5xROD1sO8VUrZvB/s1280/406822149_405841311768317_1362869330815394449_n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1280" data-original-width="1280" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHGAlR9hIA5ylhzSyhB0bjHSgIv6FXsnMh5EhPsUD0K3kKwRy8Fb7LfwWSdD3XOqknA9pog44Kv1Y7aOkWD83RrrfZ02kAH9ZPXvA8vhyphenhyphenNutGmcWgLFn2TJkBVhBCKmJu6K5D0hAvLO83rGFbYSYN_nz5CztwWi_iqiJSiwwoFrXClz5xROD1sO8VUrZvB/s320/406822149_405841311768317_1362869330815394449_n.jpg" width="320" /></a></div><br /> Mi nuevo libro se presenta este jueves 14 de diciembre los espero con mucho gusto.<p></p>Ricardo Falla Carrillohttp://www.blogger.com/profile/15092340941371854802noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6553764337361144436.post-63144564450942103972023-11-06T05:54:00.000-08:002023-11-06T05:54:18.557-08:00INDAGACIONES SONORAS. DIALOGOS ENTRE LA MÚSICA Y EL PENSAMIENTO EN TRES MOVIMIENTOS por Ricardo L. Falla Carrillo<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLNn_y9FQMvHmo6Z9XvfWyXE_p-wtoV9neE_1iamtUnaMJJeO1FiVwHLT7e4RN_jljPhxFJnbKP25HghCb816Vy0lj0cQXyyG4PLcIgElNcStDWQEyaYXckI6x7YonMzYrLw57tsi_63DTLMgGGuc37f8gkTwGuXRjqGm343NfcVA9SihkNL2F_mynzw81/s3370/Caratula_Indagaciones%20sonoras__05_10_23.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1640" data-original-width="3370" height="259" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLNn_y9FQMvHmo6Z9XvfWyXE_p-wtoV9neE_1iamtUnaMJJeO1FiVwHLT7e4RN_jljPhxFJnbKP25HghCb816Vy0lj0cQXyyG4PLcIgElNcStDWQEyaYXckI6x7YonMzYrLw57tsi_63DTLMgGGuc37f8gkTwGuXRjqGm343NfcVA9SihkNL2F_mynzw81/w531-h259/Caratula_Indagaciones%20sonoras__05_10_23.jpg" width="531" /></a></div><br /> <p></p><p>Fragmento de la introducción: </p><p></p><p align="center" class="MsoNormalCxSpFirst" style="text-align: center;"><span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-style: italic;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span></span><b><span lang="ES" style="font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman";">La música, misteriosa forma del tiempo. <o:p></o:p></span></b></p>
<p align="center" class="MsoNormalCxSpMiddle" style="text-align: center;"><b><span lang="ES" style="font-size: 14.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman";">Una introducción personal a las indagaciones sonoras<o:p></o:p></span></b></p>
<p align="center" class="MsoNormalCxSpMiddle" style="text-align: center;"><b><span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman";"><o:p> </o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormalCxSpMiddle" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman";">"El poema “Otro poema de los dones” (1964) de Jorge Luis
Borges termina con una sentencia que me ha acompañado a lo largo de los años y
que sintetiza, en parte, lo que puede ser la percepción de lo musical a la luz
de la experiencia: “por la música, misteriosa forma del tiempo”. Esta
conclusión memorable de uno de los textos más bellos de Borges es el punto
final de un poema en donde la multiplicidad y vastedad de la realidad se
confunde con la narración poética. Lo que se nos ha sido dado, ya sea en forma
de procesos o de eventos —“Gracias quiero dar al divino / laberinto de los
efectos y de las causas / por la diversidad de las criaturas / Que forman este
singular universo”— conlleva un acto de gratitud para la existencia consciente
de sí misma y de lo que le rodea. Todo asombro brindado por el universo nos
conduce a algún tipo de experiencia que potencialmente se transforma en
conocimiento. De ahí el agradecimiento a la música, por ofrecernos una forma
del tiempo que tiene su propio secreto. En ese sentido, ¿cuál es el enigma del
tiempo musical del que nos habla el gran Borges?"<o:p></o:p></span></p><br /><p></p>Ricardo Falla Carrillohttp://www.blogger.com/profile/15092340941371854802noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6553764337361144436.post-27225500286259639972023-09-14T05:50:00.000-07:002023-09-14T05:50:00.952-07:00Sergei Rachmaninoff: 150 años de su nacimiento. Una Lista personal de sus obras esenciales<p> <table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOsIQurgHxkQZIMdsdU-eHh7ze-4jg6-5rM-7wYd_Xdz08hCukIQktfuoOWsCjcwK5cv-goZtyGjxN0BFqBgtUa5x-2-Zr_YG6TGht7XULYeMbezok181Ha54V9bBsOLqUIp-_kxvZmeNLlIypJV40REo2dbZVEKhhfcolDSd0VF6-ZCVSr0DAzVaJx5Rm/s1200/mahler%20rachmaninoiff.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1200" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOsIQurgHxkQZIMdsdU-eHh7ze-4jg6-5rM-7wYd_Xdz08hCukIQktfuoOWsCjcwK5cv-goZtyGjxN0BFqBgtUa5x-2-Zr_YG6TGht7XULYeMbezok181Ha54V9bBsOLqUIp-_kxvZmeNLlIypJV40REo2dbZVEKhhfcolDSd0VF6-ZCVSr0DAzVaJx5Rm/w400-h300/mahler%20rachmaninoiff.jpg" width="400" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Programa de un concierto soñado: Gustav Mahler dirgiendo a Rachmaninoff, en 1910. <br /><br /><br /><div style="text-align: justify;">Este año se conmemora los 150 años de nacimiento del gran Sergei Rachmaninoff (1873-1943). En mi columna semanal en un medio peruano, he realizado una semblanza sobre el célebre compositor ruso, que les comparto: <a href="https://rpp.pe/columnistas/ricardoleninalfredofallacarrillo/sergei-rachmaninov-150-anos-de-nacimiento-noticia-1505443">Sergei Rachmaninov: 150 años de nacimiento</a></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Por otro lado, debido a varias consultas acerca de una lista de obras fundamentales de Rachaminoff, comparto una elaboración personal, no es definitiva: </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">1. Concierto para piano número 3 en re menor, opus 30- 1909</div><div style="text-align: justify;">2. Concierto para piano número 2 en do menor, opus 18- 1901</div><div style="text-align: justify;">3. Rapsodia sobre un tema de Paganini en la menor, opus 43- 1934</div><div style="text-align: justify;">4. Poema sinfónico "La isla de los muertos, opus 29- 1907</div><div style="text-align: justify;">5. Etude-Tableux, opus 33 y opus 39- 1911-1916</div><div style="text-align: justify;">6. Preludios, opus 23-1901</div><div style="text-align: justify;">7. Sinfonía número 2, opus 27- 1908</div><div style="text-align: justify;">8. Trio elegiaco número 2 en re menor, opus 9 - 1893</div><div style="text-align: justify;">9. Danzas sinfónicas, opus 45- 1940</div><div style="text-align: justify;">10. Concierto para piano número 1 en fa sostenido menor, opus 1- 1892</div></td></tr></tbody></table><br /></p><p><a href="https://rpp.pe/columnistas/ricardoleninalfredofallacarrillo/sergei-rachmaninov-150-anos-de-nacimiento-noticia-1505443">Sergei Rachmaninov: 150 años de nacimiento</a><br /></p>Ricardo Falla Carrillohttp://www.blogger.com/profile/15092340941371854802noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-6553764337361144436.post-973432466468799532023-08-09T20:47:00.003-07:002023-08-09T20:50:55.153-07:00El movimiento y el sueño: obra de arte mayor de Romualdo y de Garrido Lecca<h1 style="box-sizing: border-box; line-height: 28px; margin: 0px 0px 35px; overflow-wrap: break-word; text-align: justify;"><p class="MsoNormal"><i><span lang="ES" style="font-weight: normal;">El 2021 se conmemoraron cincuenta años de la
publicación de “El movimiento y el sueño”, poemario del escritor
Alejandro Romualdo, que fue transformado en oratorio sinfónico por el
compositor Celso Garrido Lecca. La colaboración entre ambos artistas peruanos,
nos brindó una obra que, con la difusión debida, podría ser una de las cumbres
del repertorio contemporáneo. <o:p></o:p></span></i></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES" style="color: white; font-weight: normal;">Alejandro Romualdo (1926-2008), inició su camino literario más experimental
una vez que tomó la decisión de superar el coloquialismo castizo de “<i>Edición
Extraordinaria”</i> (1959), optando por la innovación formal en “<i>Como Dios
manda”</i> (1967). Luego, siguiendo esa línea, empezó a darle cuerpo a <i>“El
Movimiento y el Sueño”</i> (1971), centrándose en la disposición espacial de la
escritura, explorada germinalmente en su obra anterior. Todo ello, en un juego
de contrapuntos discursivos aleatorios, al modo musical “estocástico”, como lo
había concebido el arquitecto y compositor griego, Iannis Xenakis (1922- 2001).
Romualdo admiraba a Xenakis. En Paris, había escuchado a Pierre Boulez dirigir
las obras más célebres de Xenakis: <i>“Metástasis”</i> y <i>“Pithoprakta”. </i>Y
quedó marcado con las posibilidades estocásticas. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES" style="color: white; font-weight: normal;">No sabemos en qué momento, Celso Garrido Lecca (N. 1927), se conoció con
Romualdo. El músico piurano había compuesto, por aquellos años, piezas
centrales de su repertorio como “<i>Intihuatana”</i> <i>y “Estudio N. 1”.</i> Y parece claro que ambos estaban conversando,
abiertamente, sobre el proyecto de transformar “<i>El Movimiento y el Sueño”</i>
en un oratorio secular de grandes dimensiones, donde lo humano - terrestre y
celeste- se articula desde el “polvo lunar y el polvo terráqueo”. Nuestra
especie ha conquistado al espacio. Los nuevos trabajadores, astronautas y
cosmonautas, ven a la tierra, cosmopolita, resplandecer a lo distancia. Pero,
ahí abajo, reina la necesidad y sus manifestaciones. Romualdo y Garrido Lecca
no ocultan su filiación ideológica de aquellos años. Al fin y al cabo, las
grandes obras de arte tienen pretensiones utópicas. <i>“Han sido creadas, con
la mirada en lo alto del cielo/ y el libro de la sabiduría en la mano”. </i>Como
escribió Romualdo en “<i>La extensión de la palabra”</i> (1974). Ernesto
Guevara y Neil Angstrom son el movimiento de distintos sueños. <i><o:p></o:p></i></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES" style="color: white; font-weight: normal;">La versión sinfónico- coral de <a name="_Hlk76475489"><i>“El movimiento y
el Sueño”</i>, </a>fue estrenada en 1972. Con el mismo Romualdo leyendo el
poema en el Teatro Municipal. Luego, tras volver a Chile, Garrido Lecca desechó
la partitura original, volviéndola a reescribir en 1983. La versión de 1983
ganó el Premio de Composición de Popular y Porvenir de aquel año. Pero, por
miedos ideológicos, no se grabó ni se volvió a interpretar. Hasta que, en el
2016, la Orquesta Sinfónica Nacional, junto al Coro Nacional, reestrenó y
logró, finalmente, una grabación digna, intensa y poderosa, gracias a la dirección
del maestro Fernando Valcárcel y a la lectura poética de Luis Peirano y Alberto
Isola. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES" style="color: white; font-weight: normal;">Celso Garrido Lecca ha dicho que esta obra es su mayor composición musical.
Y, el mismo Romualdo, confesó que el largo poema fue, acaso, su mayor esfuerzo
creativo. Al extremo que, después del siguiente libro, “<i>En la extensión de
la palabra” </i>(1974), Romualdo no publicó nada más hasta el sorprendente “<i>Ni
pan ni circo”</i> de 2006. Es que los grandes esfuerzos de innovación estética
requieren un grado de conocimiento que no es fácil de dominar. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-weight: normal;"><span style="color: white;"><a name="_Hlk76478268"><i><span lang="ES">“El movimiento y el Sueño”</span></i></a><span lang="ES">, </span><span lang="ES">es una gran colaboración entre poesía y
música. Sigue la importante tradición de reuniones artísticas como la que
Beethoven desarrolló con <i>“Una oda a la alegría”</i> de Schiller; Mahler con <i>“Luz
prístina”</i> de Klopstock o el <i>“Himno de la noche”</i> de Nietzsche o
Shostakovich musicalizando a García Lorca y a Rilke. Pero no solo es una feliz
reunión. Lo logrado por Garrido Lecca, inspirado por Romualdo, puede estar al
nivel de grandes obras de la segunda mitad del siglo XX, como el <i>“Réquiem</i>”
(1965) de Ligeti, <i>“Répons”</i> (1981) de Boulez, <i>“Sinfonía para 8 voces
amplificadas”</i> (1969) de Berio, <i>“El mito de Er”</i> (1977) de Iannis
Xenakis o <i>“Tabula Rasa”</i> (1977) de Arvo Pärt. <o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES" style="color: white; font-weight: normal;">Como obra integral, <i>“El movimiento y el Sueño”</i>, es uno de los hitos
notables de la cultura peruana. Pues es producto de nuestra propia evolución
artística, en diálogo simétrico con la modernidad y sin complejos de
inferioridad. Romualdo y Garrido Lecca hablan de <i>“tú a tú”</i> con
occidente, dando lecciones de real maestría. No es de extrañarnos. Pues nuestra
cultura tiene la ventaja de tener un pie en el mundo, como decía César Vallejo:
“<i>Perú al pie del orbe; ¡yo me adhiero!”.<o:p></o:p></i></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES" style="color: white;"><i style="font-weight: normal;"><br /></i></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="ES"><span style="color: white; font-weight: normal;">https://rpp.pe/columnistas/ricardoleninalfredofallacarrillo/el-movimiento-y-el-sueno-obra-de-arte-mayor-de-romualdo-y-de-garrido-lecca-noticia-1346975?ref=rpp</span></span></p></h1><div class="banner banner--interna" style="box-sizing: border-box; display: flex; justify-content: center; margin: 0px; max-width: 100%; overflow: hidden; text-align: center;"><div class="banner__cover" data-google-query-id="CKien7-U0YADFbAwuQYd2roGPg" data-interna="true" id="Rpp2_columnistas_Nota_Interna3" style="box-sizing: border-box; font-family: Roobert, Roboto, sans-serif; font-size: 16px; margin: 0px 0px 30px; position: relative;"></div></div>
<iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/V8zDkDeooJY" title="YouTube video player" width="560"></iframe>Ricardo Falla Carrillohttp://www.blogger.com/profile/15092340941371854802noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6553764337361144436.post-38275831155053744232022-04-11T17:48:00.004-07:002022-04-11T17:49:25.719-07:00Iannis Xenakis: 100 años de su nacimiento<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjALNXcTjOOl0Bfoureb3efB7wQKLMk3AO-gN13vbkW_cL9f1ujA6FV6KMZ0IhB8oyy2GooX10W3sigFATsEOXQ16fBDP5eewfti1IKgkZoF1PiW9B7wVe1Ng55LCzMFqQQK9bxwwFfV2zslB41tlNCW_77lCLOWoZKoC9xcPEQRwILmarE46fNKXyZxg/s300/descarga.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="168" data-original-width="300" height="239" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjALNXcTjOOl0Bfoureb3efB7wQKLMk3AO-gN13vbkW_cL9f1ujA6FV6KMZ0IhB8oyy2GooX10W3sigFATsEOXQ16fBDP5eewfti1IKgkZoF1PiW9B7wVe1Ng55LCzMFqQQK9bxwwFfV2zslB41tlNCW_77lCLOWoZKoC9xcPEQRwILmarE46fNKXyZxg/w427-h239/descarga.jpg" width="427" /></a></div><br /><p><span style="text-align: justify;">Este 29 de mayo se cumplen cien años del nacimiento de uno de los mayores compositores del siglo XX: Iannis Xenakis. En una entrada de mi blog de 2010 compartí una entrevista que se le hizo a este ilustre compositor y arquitecto en 1986. Dada la importancia de la obra de Xenakis, la vuelvo a compartir. Ojalá la obra del creador de "Metástasis" siga despertando interés entre los melómanos. </span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: 13px; text-align: left;">En abril de 1986, la revista </span><i style="font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; text-align: left;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, "Times New Roman", serif;">Correo</span></i><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: 13px; text-align: left;"> de la UNESCO publicó una extensa entrevista a Iannis Xenakis (1922-2001) con el título </span><i style="font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; text-align: left;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, "Times New Roman", serif;">Dimensión matemática de la música. </span></i><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, "Times New Roman", serif; font-size: 13px; text-align: left;">Transcribo partes de esta conversación a modo de homenaje al gran compositor y arquitecto, de origen griego, rumano de nacimiento y francés por adopción. Toda vez que nos encontramos ad portas de conmemorar los 10 años de su muerte en el 2011. </span><br style="font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; text-align: left;" /><b style="font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; text-align: left;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, "Times New Roman", serif;"><br /></span></b><br style="font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; text-align: left;" /><span class="Apple-style-span" face="Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif" style="font-size: 13px; font-weight: 900; text-align: left;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, "Times New Roman", serif;"></span></span><b>SOBRE </b><st1:personname productid="LA RELACIÓN ENTRE" w:st="on"><b>LA RELACIÓN ENTRE</b></st1:personname><b> MÚSICA Y ARQUITECTURA</b></p><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><o:p></o:p></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b>¿Cómo explica que existan en usted esos dos espacios de la creación que son la música y la arquitectura?</b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p></o:p></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span">Ante todo, la arquitectura es un espacio de tres dimensiones y habitable. Las convexidades y concavidades son muy importantes, tanto desde el punto de vista sonoro como visual. El problema de las proporciones es esencial. La mejor arquitectura no es la que ostenta un valor decorativo sino aquella cuyas proporciones y volúmenes están como deben ser: desnudos. La arquitectura es el esqueleto y pertenece al ámbito visual. Y en éste hay elementos relacionados con lo que llamamos lo racional, que también forma parte de la música. Querámoslo o no, hay un puente entre la arquitectura y la música basado en nuestras estructuras mentales que son las mismas tanto en la una como en la otra. Los compositores, por ejemplo, han utilizado simetrías que existen en la arquitectura. Si se trata de saber cuáles son las partes iguales y simétricas de un rectángulo, la mejor manera de proceder es hacerlo girar sobre -sí mismo y sólo hay cuatro posibilidades para ello. En la música existen también tales transformaciones y eso es lo que en la esfera melódica se inventó en el Renacimiento. Se toma una melodía: se la lee al revés, se toma su inversión en relación con los intervalos, es decir que lo que iba hacia los tonos agudos va hacia los graves y viceversa; añádase a ello la reiteración de la inversión que utilizaron los polifonistas del Renacimiento y que ha empleado también la música serial y tendremos efectuadas en este ejemplo las mismas cuatro transformaciones que en la arquitectura. Tomemos otro ejemplo, el del pabellón Philips. Lo concebí basándome en ideas provenientes de la música para orquesta que yo componía en esa época. Quería crear espacios que se modificaran y transformaran continuamente a partir del desplazamiento de una recta, con lo cual se obtienen paraboloides hiperbólicos en el caso de la arquitectura y verdaderas masas de glissandi en música.</span><o:p></o:p></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><st1:personname productid="LA PROPORCIÓN" w:st="on"><b>LA PROPORCIÓN</b></st1:personname><b> ÁUREA EN </b><st1:personname productid="LA MÚSICA" w:st="on"><b>LA MÚSICA</b></st1:personname><b><o:p></o:p></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b>¿Hay en la historia, según usted, ejemplos de ese encuentro, más bien identificación, entre las concepciones arquitectónica y musical?</b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p></o:p></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span">Bueno, tenemos el caso de Bêla Bartok que utilizó la sección áurea para obtener sus acordes. Ahora bien, la sección áurea proviene del ámbito visual: es una proporción geométrica que tiene una característica suplementaria: cada término es el resultado de la suma de los dos que le preceden. Y tal proporción se utilizó en arquitectura, desde las pirámides de Egipto hasta los templos griegos, como una suerte de clave milagrosa para construir hermosos monumentos.</span><o:p></o:p></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b>MÚSICA PETRIFICADA<o:p></o:p></b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b>¿Y es fundamental para usted tal correspondencia?</b></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p></o:p></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span">Goethe ha dicho que "la arquitectura es una música petrificada". Si se trata de ahondar esta fórmula, puramente literaria, para intentar una comprobación más objetiva, se llega en seguida a las estructuras mentales que pertenecen al tipo de los conjuntos. La rotación del rectángulo o las melodías son grupos de transformaciones. Y la teoría de los conjuntos trata precisamente de las simetrías hasta lo infinitamente pequeño de las partículas, que es la única manera de identificarlas. Hay pues diversos niveles de correspondencia. El más vago es el literario, como el de Goethe; yo he señalado otro, más objetivo, con el ejemplo de los conjuntos y otros más, de tipo diferente, como aquel de crear espacios sonoros, sea arquitectónicos, utilizando la línea recta acústica como los glissandi o la recta final. Pero hay también otras maneras de ver. Por ejemplo, el ritmo. ¿En qué consiste? Se trata de escoger puntos en una recta, la recta del tiempo. El músico cuenta el tiempo de la misma manera que al marchar se cuentan los hitos kilométricos. Igual sucede en arquitectura, tratándose de una fachada, por ejemplo. Y las teclas del piano son también arquitectura: están dispuestas de manera constante. En un caso se trata del tiempo, en el otro del espacio. Hay pues una correspondencia entre los dos. Y ello es posible debido a que hay una estructura mental más profunda, aquello que los matemáticos llaman una estructura de orden.</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span"><br /></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span">Obras de Xenakis de interés sin orden de jerarquía: </span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span"><br /></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span"><br /></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span">1. Metástasis - 1954</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span">2. Phitoprakta-1955</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span">3. Diamorpheses- 1958</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span">4. Herma-1960</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span">5. Nomos Alpha-1968</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span">6. La lengende d´eer -1977</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span">7. Komboi-1981</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span">8. Tetras-1983</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span">9. Ergma-1994</span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span">10. O.- Mega- 1997</span></div><p style="text-align: justify;"><span face="Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif" style="font-size: 13px; text-align: left;"><br />Leer más: <a href="http://serialismo.blogspot.com/2010/09/musica-y-arquitectura-segun-xenakis.html#ixzz7QCT8Yqcm" style="color: #003399; text-decoration-line: none;">http://serialismo.blogspot.com/2010/09/musica-y-arquitectura-segun-xenakis.html#ixzz7QCT8Yqcm</a></span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;">Phitoprakta, 1955</p>
<iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/nvH2KYYJg-o" title="YouTube video player" width="560"></iframe>Ricardo Falla Carrillohttp://www.blogger.com/profile/15092340941371854802noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6553764337361144436.post-12991066100245436732022-01-11T07:53:00.003-08:002022-01-11T07:53:38.904-08:00Shostakovich inspirado por Bach: 24 preludios y fugas<p style="text-align: justify;"><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgyHw1XlKp6vjp2k3gKuBqDkVF-QFppWsZhmAUKyMhqB9ehdLjM-JaT1iUxSPLRrdWGbuBgReYzUOWOfi6hb8FPNrhIpemQhdSYHiS7DhHP5qqx1dTJrvIwNlIQNDBbt4yhubt4IUT4OF5d6Xt1a16dnqiYOT3J5TrZyy3mwRFAGqf6nU0XWXLqvjZo3g=s500" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="364" data-original-width="500" height="233" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgyHw1XlKp6vjp2k3gKuBqDkVF-QFppWsZhmAUKyMhqB9ehdLjM-JaT1iUxSPLRrdWGbuBgReYzUOWOfi6hb8FPNrhIpemQhdSYHiS7DhHP5qqx1dTJrvIwNlIQNDBbt4yhubt4IUT4OF5d6Xt1a16dnqiYOT3J5TrZyy3mwRFAGqf6nU0XWXLqvjZo3g=s320" width="320" /></a></div><br /><p style="text-align: justify;">Dimitri Shostakovich (1906-1975), tenía un conocimiento de la música impresionante. No sólo a nivel formal. También en una dimensión histórica en términos hermenéuticos. Es decir, podía viajar a otro tiempo sin desligarse del suyo. Ello se percibe en los "24 preludios y fugas" que el gran compositor ruso compuso inspirado en Bach. Así, el más grande compositor del siglo XX, toma el arte prestado del mayor músico de la historia y lo reelabora a su modo. </p><p style="text-align: justify;">En 1950, Shostakovich fue invitado a Leipzig a ser parte de las efemérides por los 200 años de la muerte de Bach. En dicha ciudad, se celebró un concurso para piano, en el cual el compositor ruso fue parte del jurado. La medalla de oro la ganó una compatriota suya, Titiana Nicoleyeva, quien interpretó con maestría las cuarenta y ocho partes del "Clave bien temperado". Shostakovich quedó fascinado por la forma de tocar de Nicolayeva y, regresando a Moscú escribió "Los 24 preludios y fugas". La obra tuvo dos estrenos. Uno en 1951, con Shostakovich. La segunda, en 1952, con Nicolayeva. </p><p style="text-align: justify;">Sin duda es una obra orientada más a los músicos, que para el público. Obra difícil de digerir, pero fascinante una vez que se ubica la puerta para entrar en ella. </p><p style="text-align: justify;"><br /></p>
<iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/ZyURjdnYQaU" title="YouTube video player" width="560"></iframe>Ricardo Falla Carrillohttp://www.blogger.com/profile/15092340941371854802noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6553764337361144436.post-75172545935049344662021-11-27T05:58:00.001-08:002021-11-27T05:58:35.226-08:00"Me he retirado del mundo", la utopía íntima de Mahler<p style="text-align: justify;">Este es uno de los anhelos más solicitados por muchos: dejar las vanidades del mundo, sus cuitas, su nimiedades y pasar los últimos años lejos de todo. Sin dudas, si el mismo Mahler optó por este poema de Friedrich Ruckert (1766-1866), es por qué él mismo sentía la necesidad de "retirarse del mundo". Cuestión paradójica si tomamos en cuenta que Mahler, hacia 1901, iniciaba su camino hacia la mayor de las famas. Sin embargo, a Mahler la dirección le quitaba tiempo. Y siempre parecerá extraño que a uno de los más aclamados directores de la historia, sufría en secreto el serlo. Pues Mahler se asumía fundamentalmente como compositor, aprovechando sus vacaciones veraniegas para dedicarse a ello.</p><p style="text-align: justify;">No hay palabras suficientes para ponderar la belleza de este lieder, el favorito de muchos de los melómanos de este planeta. Aquí hay anhelos que tantos compartimos y que, a determinada edad, deseamos tocar con las manos. La utopía personal, el cielo de la soledad anhelada para esperar serenamente el fin. </p><p>Me he retirado del mundo</p><pre><span style="font-family: Times New Roman;"><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">en el que malgasté mucho tiempo,</span></span><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">
hace tanto que no se habla de mí</span></span><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">
¡Que muy bien pueden creer que he muerto!</span></span>
<span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">
Y muy poco me importa</span></span><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">
que me crean muerto;</span></span><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">
no puedo decir nada en contra</span></span><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">
pues seguramente estoy muerto para el mundo.</span></span>
<span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">
¡Estoy muerto para el bullicioso mundo</span></span><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">
y reposo en un lugar tranquilo!</span></span><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">
¡Vivo solo en mi cielo,</span></span><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;">
en mi amor, en mi canción!</span></span></span></pre><pre><span style="font-family: Times New Roman;"><span style="vertical-align: inherit;"><span style="vertical-align: inherit;"><br /></span></span></span></pre>
<iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/lbb2zUQs0bQ" title="YouTube video player" width="560"></iframe>Ricardo Falla Carrillohttp://www.blogger.com/profile/15092340941371854802noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-6553764337361144436.post-7946892941088954372021-10-03T15:54:00.001-07:002021-10-03T15:54:56.544-07:00Francesca Caccini: 380 años de su fallecimiento<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZhSCEja0vZ2GRZxZt-n0CCRyW2QTnDVAlEcZnZnulUjgzgRMo9aigTEQJ31dP3nmgcAjgChKO5jmSu9L3NDOGomJwfD15losn4nCuhv2AqjiAi9wquNk8_eVgyLsgAjI1snwVoy1T-jf4/s1016/Captura-de-pantalla-2021-02-16-a-las-10.26.222.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1016" data-original-width="800" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZhSCEja0vZ2GRZxZt-n0CCRyW2QTnDVAlEcZnZnulUjgzgRMo9aigTEQJ31dP3nmgcAjgChKO5jmSu9L3NDOGomJwfD15losn4nCuhv2AqjiAi9wquNk8_eVgyLsgAjI1snwVoy1T-jf4/w315-h400/Captura-de-pantalla-2021-02-16-a-las-10.26.222.jpg" width="315" /></a></div><br /><p></p><p style="text-align: justify;">Este año se conmemora trecientos ochenta años del fallecimiento de la gran Francesca Caccini (1587-1641), uno de los mayores compositores del barroco temprano. La Caccini, no sólo fue una dotada música. También fue una notable poeta. Basta escuchar <i>"il primo libro delle musiche</i>" (1618) para obtener una experiencia completa de poesía y música de primer nivel. O descubrir sus dotes como compositora de operas con la <i>"Liberazione di Ruggiero dalla ´isola Alcina</i><i>". </i></p><p style="text-align: justify;">Esta tarde estoy escuchando "El primer libro de la música". Y redescubro la enorme capacidad de los primeros barrocos para explorar sobre sus abismos interiores. Un ejemplo soberbio es "Lasciatemi qui solo". </p><p><br /></p>
<iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/xFdrK8iJwqI" title="YouTube video player" width="560"></iframe><div><br /></div><div><br /></div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpjxmDdpWfeCukaWcEeZjeGlxUd-7vj4VARVUQL-KfDJ9bmzhm14P7jwwxc_jbNcKWGrx_KCPch03YiQVAKIybG-9W9MFYGS0Ml-lDJCxWAH_ihD0w-5qm1Zp6vzOAEqXJS5CebB1xnRdk/s2048/Retrato_de_una_mujer_joven_llamada_22la_Bella22_por_Palma_el_Viejo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt=""La Bella" de La Palma, circa 1520. La cultura actual asume falsamente esa obra como un retrato de Francesca Caccini" border="0" data-original-height="2048" data-original-width="1820" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpjxmDdpWfeCukaWcEeZjeGlxUd-7vj4VARVUQL-KfDJ9bmzhm14P7jwwxc_jbNcKWGrx_KCPch03YiQVAKIybG-9W9MFYGS0Ml-lDJCxWAH_ihD0w-5qm1Zp6vzOAEqXJS5CebB1xnRdk/w284-h320/Retrato_de_una_mujer_joven_llamada_22la_Bella22_por_Palma_el_Viejo.jpg" width="284" /></a></div><br /><div><br /></div>Ricardo Falla Carrillohttp://www.blogger.com/profile/15092340941371854802noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6553764337361144436.post-80863497619079957502021-08-29T17:47:00.001-07:002021-08-29T17:47:42.449-07:00Cesar Franck ( 1822-2022): a un año de su bicentenario. Una lista de sus obras esenciales <p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJW974YK6st7nMV4BFV15kkJnvyBKdyrD_tXdJZJsgbGFo2a3kGexRUeujRBFJAl-kldV7oA2vlBlSB_TZRsPNC0M7tHn7_RbRvzKb3sRJJ7oYxcQOLF79_HzgWjmh7tuoB5eA7fPpQp2M/s397/franckly1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="397" data-original-width="397" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJW974YK6st7nMV4BFV15kkJnvyBKdyrD_tXdJZJsgbGFo2a3kGexRUeujRBFJAl-kldV7oA2vlBlSB_TZRsPNC0M7tHn7_RbRvzKb3sRJJ7oYxcQOLF79_HzgWjmh7tuoB5eA7fPpQp2M/s320/franckly1.jpg" width="320" /></a></div><p><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: medium;">El próximo año, se cumple doscientos años del nacimiento del mayor músico nacido en Bélgica y naturalizado francés: Cesar Franck (1822-1890). En ese sentido, y ponderando la obra de este ilustre compositor, mostramos una lista de sus obras que creemos fundamentales y que nos introducen a su poderoso universo creador. Esta es sólo una aproximación muy general y personal: </span></p><span style="font-size: medium;">1. Sonata para piano y violín en la mayor- 1886</span><p></p><p><span style="font-size: medium;">2. Quinteto para piano, dos violines, viola y violonchelo en fa menor- 1878</span></p><p><span style="font-size: medium;">3. Trio para piano, violín y violonchelo número 1 en fa sostenido menor- 1840</span></p><p><span style="font-size: medium;">4. Variaciones sinfónicas para piano y orquesta- 1885</span></p><p><span style="font-size: medium;">5. Preludio, coral y fuga en si menor para piano- 1884</span></p><p><span style="font-size: medium;">6. Sinfonía en re menor- 1888</span></p><p><span style="font-size: medium;">7. Psique : Poema sinfónico- 1887</span></p><p><span style="font-size: medium;">8. Preludio,fuga y variación para órgano- 1862</span></p><p><span style="font-size: medium;">9. Misa a tres voces en la mayor- 1860/1872</span></p><p><span style="font-size: medium;">10. Cuarteto para cuerdas en re mayor- 1890</span><br /> </p>Ricardo Falla Carrillohttp://www.blogger.com/profile/15092340941371854802noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6553764337361144436.post-4157115866314547902021-08-27T16:38:00.000-07:002021-08-27T16:38:12.812-07:00El movimiento y el sueño: obra de arte mayor de Romualdo y de Garrido Lecca<p><span style="background-color: #e06666; font-family: times;"> </span></p><h2 style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; font-weight: 300; line-height: 1.4; margin: 1rem 0px; text-align: justify;"><span style="background-color: black; color: white; font-size: large;"><span style="font-family: times;">Este año se conmemoran cincuenta años de la publicación de <strong style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box;">“El movimiento y el sueño” </strong>de Alejandro Romualdo, que fue transformado en oratorio sinfónico por el compositor Celso Garrido Lecca. La colaboración entre ambos artistas peruanos, nos brindó una obra que podría ser una de las cumbres del repertorio contemporáneo</span><span style="font-family: times;">.</span></span></h2><div><span style="background-color: black; color: white; font-family: times; font-size: small;"><a href="https://rpp.pe/columnistas/ricardoleninalfredofallacarrillo/el-movimiento-y-el-sueno-obra-de-arte-mayor-de-romualdo-y-de-garrido-lecca-noticia-1346975">https://rpp.pe/columnistas/ricardoleninalfredofallacarrillo/el-movimiento-y-el-sueno-obra-de-arte-mayor-de-romualdo-y-de-garrido-lecca-noticia-1346975</a><br /></span></div><div><span style="background-color: black; color: white; font-family: times;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: times; font-size: medium;"><strong style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box;">Alejandro Romualdo</strong><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif"> (1926-2008), inició su camino literario más experimental una vez que tomó la decisión de superar el coloquialismo castizo de “</span><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box;">Edición Extraordinaria”</em><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif"> (1959), optando por la innovación formal en “</span><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box;">Como Dios manda”</em><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif"> (1967). Luego, siguiendo esa línea, empezó a darle cuerpo a </span><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box;">“El Movimiento y el Sueño”</em><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif"> (1971), centrándose en la disposición espacial de la escritura, explorada germinalmente en su obra anterior. Todo ello, en un juego de contrapuntos discursivos aleatorios, al modo musical “estocástico”, como lo había concebido el arquitecto y compositor griego, Iannis Xenakis (1922- 2001). Romualdo admiraba a Xenakis. En Paris, había escuchado a Pierre Boulez dirigir las obras más célebres de Xenakis: </span><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box;">“Metástasis”</em><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif"> y </span><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box;">“Pithoprakta”. </em><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif">Y quedó marcado con las posibilidades estocásticas.</span></span></div><div style="text-align: justify;"><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif" style="background-color: black; color: white; font-family: times; font-size: medium;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: times; font-size: medium;"><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;">No sabemos en qué momento, </span><strong style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; text-align: start;">Celso Garrido Lecca</strong><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;"> (N. 1927), se conoció con Romualdo. El músico piurano había compuesto, por aquellos años, piezas centrales de su repertorio como “</span><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; text-align: start;">Intihuatana”</em><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;"> </span><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; text-align: start;">y “Estudio N. 1”.</em><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;"> Y parece claro que ambos estaban conversando, abiertamente, sobre el proyecto de transformar “</span><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; text-align: start;">El Movimiento y el Sueño”</em><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;"> en un oratorio secular de grandes dimensiones, donde lo humano - terrestre y celeste- se articula desde el “polvo lunar y el polvo terráqueo”. Nuestra especie ha conquistado al espacio. Los nuevos trabajadores, astronautas y cosmonautas, ven a la tierra, cosmopolita, resplandecer a lo distancia. Pero, ahí abajo, reina la necesidad y sus manifestaciones. Romualdo y Garrido Lecca no ocultan su filiación ideológica de aquellos años. Al fin y al cabo, las grandes obras de arte tienen pretensiones utópicas. </span><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; text-align: start;">“Han sido creadas, con la mirada en lo alto del cielo/ y el libro de la sabiduría en la mano”<strong style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box;">. </strong></em><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;">Como escribió Romualdo en “</span><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; text-align: start;">La extensión de la palabra”</em><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;"> (1974). Ernesto Guevara y Neil Angstrom son el movimiento de distintos sueños.</span></span></div><div style="text-align: justify;"><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif" style="background-color: black; color: white; font-family: times; font-size: medium; text-align: start;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: times; font-size: medium;"><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;">La versión sinfónico- coral de </span><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; text-align: start;">“El movimiento y el Sueño”</em><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;">, fue estrenada en 1972. Con el mismo Romualdo leyendo el poema en el Teatro Municipal. Luego, tras volver a Chile, Garrido Lecca desechó la partitura original, volviéndola a reescribir en 1983. La versión de 1983 ganó el Premio de Composición de Popular y Porvenir de aquel año. Pero, por miedos ideológicos, no se grabó ni se volvió a interpretar. Hasta que, en el 2016, la Orquesta Sinfónica Nacional, junto al Coro Nacional, reestrenó y logró, finalmente, una grabación digna, intensa y poderosa, gracias a la dirección del maestro Fernando Valcárcel y a la lectura poética de Luis Peirano y Alberto Isola.</span></span></div><div style="text-align: justify;"><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif" style="background-color: black; color: white; font-family: times; font-size: medium; text-align: start;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: times; font-size: medium;"><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;">Celso Garrido Lecca ha dicho que esta obra es su mayor composición musical. Y, el mismo Romualdo, confesó que el largo poema fue, acaso, su mayor esfuerzo creativo. Al extremo que, después del siguiente libro, “</span><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; text-align: start;">En la extensión de la palabra” </em><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;">(1974), Romualdo no publicó nada más hasta el sorprendente “</span><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; text-align: start;">Ni pan ni circo”</em><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;"> de 2006. Es que los grandes esfuerzos de innovación estética requieren un grado de conocimiento que no es fácil de dominar. </span></span></div><div style="text-align: justify;"><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif" style="background-color: black; color: white; font-family: times; font-size: medium; text-align: start;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: times; font-size: medium;"><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; text-align: start;">“El movimiento y el Sueño”</em><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;">, es una gran colaboración entre poesía y música. Sigue la importante tradición de reuniones artísticas como la que Beethoven desarrolló con </span><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; text-align: start;">“Una oda a la alegría”</em><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;"> de Schiller; Mahler con </span><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; text-align: start;">“Luz prístina”</em><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;"> de Klopstock o el </span><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; text-align: start;">“Himno de la noche”</em><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;"> de Nietzsche o Shostakovich musicalizando a García Lorca y a Rilke. Pero no solo es una feliz reunión. Lo logrado por Garrido Lecca, inspirado por Romualdo, puede estar al nivel de grandes obras de la segunda mitad del siglo XX, como el </span><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; text-align: start;">“Réquiem</em><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;">” (1965) de Ligeti, </span><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; text-align: start;">“Répons”</em><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;"> (1981) de Boulez, </span><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; text-align: start;">“Sinfonía para 8 voces amplificadas”</em><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;"> (1969) de Berio, </span><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; text-align: start;">“El mito de Er”</em><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;"> (1977) de Iannis Xenakis o </span><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; text-align: start;">“Tabula Rasa”</em><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;"> (1977) de Arvo Pärt. </span></span></div><div style="text-align: justify;"><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif" style="background-color: black; color: white; font-family: times; font-size: medium; text-align: start;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="background-color: black; color: white; font-family: times; font-size: medium;"><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;"> </span><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: left;">Como obra integral, </span><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; text-align: left;">“El movimiento y el Sueño”</em><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: left;">, es uno de los hitos notables de la cultura peruana. Pues es producto de nuestra propia evolución artística, en diálogo simétrico con la modernidad y sin complejos de inferioridad. Romualdo y Garrido Lecca hablan de </span><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; text-align: left;">“tú a tú”</em><span face="sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: left;"> con occidente, dando lecciones de real maestría. No es de extrañarnos. Pues nuestra cultura tiene la ventaja de tener un pie en el mundo, como decía César Vallejo: “</span><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; text-align: left;">Perú al pie del orbe; ¡yo me adhiero!”.</em></span></div><div style="text-align: justify;"><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; color: #333333; font-family: sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 18px; text-align: left;"><br /></em></div><div style="text-align: justify;"><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; color: #333333; font-family: sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 18px; text-align: left;"><br /></em></div>
<iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/V8zDkDeooJY" title="YouTube video player" width="560"></iframe>Ricardo Falla Carrillohttp://www.blogger.com/profile/15092340941371854802noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6553764337361144436.post-84056156623649583462021-04-27T17:39:00.010-07:002021-04-27T17:47:44.768-07:00Beethoven versiona a Mozart: Variaciones sobre 'Là ci darem la mano', WoO 28<p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXHXlu0MEqul0TPayswuMfNbnudc1temzTWausDz6ZYWnmkNq43FWnxkuVxiZIwB87iwZ6Bn64TAw7-nKrVc8_Kh0BE2nwuy69mANSVUzRelR96Y3cvdqTudDiQk13BbIDFeZw2hUKEini/s760/Ludwig-van-Beethoven002.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="488" data-original-width="760" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXHXlu0MEqul0TPayswuMfNbnudc1temzTWausDz6ZYWnmkNq43FWnxkuVxiZIwB87iwZ6Bn64TAw7-nKrVc8_Kh0BE2nwuy69mANSVUzRelR96Y3cvdqTudDiQk13BbIDFeZw2hUKEini/s320/Ludwig-van-Beethoven002.jpg" width="320" /></a></div><span><p style="font-size: x-large; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><br /></span></p><span style="font-size: medium;"><div style="text-align: justify;">Los dos maestros se conocieron brevemente, pero nunca entablaron amistad. Y, como era común en esa época, Beethoven realizó una serie de variaciones sobre la célebre aria de Don Giovanni. El resultado es una encantadora serenata sobre una melodía preciosa y única del genio de Salzburgo. Composición de 1795, cuando Beethoven se hacía de un lugar en la mítica Viena. </div></span></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: medium;">Variaciones sobre 'Là ci darem la mano', WoO 28, para dos oboes y corno. Y a continuación, la hermosa aria del Don Giovanni, de Mozart.</span></p>
<iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/sQ1nSRqHAh4" title="YouTube video player" width="560"></iframe>
<iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/iJnJjpMdT3Y" title="YouTube video player" width="560"></iframe>Ricardo Falla Carrillohttp://www.blogger.com/profile/15092340941371854802noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6553764337361144436.post-74632443616551494402021-03-26T16:54:00.001-07:002021-03-29T05:44:05.573-07:00La vida a través de Mahler<p><span style="color: black;"><a href="https://rpp.pe/columnistas/ricardoleninalfredofallacarrillo/la-vida-a-traves-de-mahler-noticia-1327338">La vida a través de Mahler</a> </span></p><p>Articulo aparecido en: https://rpp.pe/columnistas/ricardoleninalfredofallacarrillo/la-vida-a-traves-de-mahler-noticia-1327338</p><p style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; line-height: 1.7; margin: 0px 0px 1.875rem; text-align: left;"></p><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: times; text-align: center;">Por razones públicas y sanitarias que hoy observamos por doquier, algunos caen en abismos insospechados. Otros, desarrollan maneras de resistencia interior para sobrellevar este tiempo de durezas extremas. Este artículo está escrito en clave personal, como una forma resistencia ante todo lo vivido.</span></div><span style="font-family: times;"><div style="text-align: justify;">Conocí la obra de Gustav Mahler (1860-1911), cuando aún era un joven estudiante universitario. Mientras estudiaba desde algún texto, escuché en la radio la primera sinfonía, “<em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box;">Titán”</em>, del gran compositor austriaco. Al día siguiente, fui a la biblioteca y busqué toda la información posible sobre Mahler, anotando, detalladamente, cada una de sus obras con el deseo de poder hallarlas luego. Poco tiempo después, en un cine club limeño, vi “<em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box;">Muerte en Venecia”</em>, de Luchino Visconti, hermosa película basada en la obra homónima de Thomas Mann. A lo largo de todo el film, se podía escuchar, de manera omnipresente, el célebre <em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box;">“adagietto”</em> de la quinta sinfonía de Mahler. Pocas veces la unión entre argumento, imagen y sonido alcanzó un nivel de perfección tan logrado.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Al tiempo, empecé a adquirir todas las grabaciones que pude de Mahler. Disciplinadamente, me propuse ingresar a la totalidad del universo musical mahleriano, convencido de que en su discurso sonoro había algo bastante más que hermosa música y que, más bien, se trataba de una visión completa del mundo y de la condición humana. Con los años, esta intuición de comprobó cuando conocí su segunda sinfonía, <em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box;">“Resurrección”</em>, y la impresionante tercera sinfonía, que incluía una hermosa musicalización del <em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box;">“Canto de la medianoche”</em> de Nietzsche. Por mucho tiempo, asumí ambas obras como la concreción de mis propias expectativas vitales y espirituales. Cómo no asumir una visión afirmativa de la existencia, cuando un mar de voces, en el movimiento final de la <em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box;">“Resurrección”, </em>exclama<em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box;">: “Resucitarás, si, resucitarás corazón, vivirás para no morir”. </em>O, en la tercera sinfonía, con una profundidad sobrecogedora, la contralto nos dice a partir del texto nietzscheano: <em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box;">“el mundo es profundo, más profundo de lo que el día pensó”</em>.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El interés por la obra de Mahler me llevó estudiar, con detalle, el <em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box;">“Canto de la Tierra”,</em> la octava sinfonía (“la sinfonía de los mil”) y la suma perfección de su obra, la novena sinfonía, que, a diferencia de la de Beethoven, se extingue, lentamente, en la nada. Esta pasión consciente, me llevó a adquirir, poco a poco, la obra integral de Mahler, con diferentes versiones. También, a tener una bibliografía selecta sobre el compositor austriaco, que me ha permitido adentrarme en el universo mahleriano. Todo esto, me condujo a escribir un ensayo sobre Mahler, uno de los que más quiero y que fue publicado hace un tiempo en otro país.</div></span><p></p><p><span style="color: #656464; font-family: Merriweather, serif; font-size: 24px; text-align: center;"><br /></span></p>Ricardo Falla Carrillohttp://www.blogger.com/profile/15092340941371854802noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6553764337361144436.post-85564167741097093402021-01-18T16:54:00.003-08:002021-01-18T16:54:41.600-08:00El poder de Ginastera en su cuarteto número 2<p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjaLPnTlrSgPceUP1DBuAmQsC0hmjoEFQqF4dXgFNf_GQP0MEvPGfwScXGGmViBdVXIRTPI0-0MEf6BSf53CP3U4xFIY3-QN6fjZlUg2Tsp5XXMdRdnUGIFZxgAEXo4t8fzuCaPP7wBXksW/s345/unnamed.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="345" data-original-width="300" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjaLPnTlrSgPceUP1DBuAmQsC0hmjoEFQqF4dXgFNf_GQP0MEvPGfwScXGGmViBdVXIRTPI0-0MEf6BSf53CP3U4xFIY3-QN6fjZlUg2Tsp5XXMdRdnUGIFZxgAEXo4t8fzuCaPP7wBXksW/w348-h400/unnamed.jpg" width="348" /></a></div><br /><span face="-apple-system, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif, "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol"" style="background-color: white; color: #333333; font-size: 15px; text-align: left;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span face="-apple-system, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif, "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol"" style="background-color: white; color: #333333; font-size: 15px; text-align: left;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span face="-apple-system, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif, "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol"" style="background-color: black; color: white; font-size: 15px; text-align: left;">Alberto Ginastera (1916-1983), fue uno de los compositores de América Latina más importantes del siglo XX. Y, probablemente, uno de los más universales. He ido conociendo su obra poco a poco y, entre sus composiciones, me llama poderosamente la atención su cuarteto para cuerdas número 2. Sobre el mismo, Kai Christiansen, dice lo siguiente: </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="background-color: black;"><span style="color: white;"><span face="-apple-system, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif, "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol"" style="box-sizing: border-box; font-size: 15px; vertical-align: inherit;">"Ginastera completó su Cuarteto de cuerda No. 2, Op. </span><span face="-apple-system, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif, "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol"" style="box-sizing: border-box; font-size: 15px; vertical-align: inherit;">26 en 1958 por encargo de la Fundación Elizabeth Sprague Coolidge. </span><span face="-apple-system, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif, "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol"" style="box-sizing: border-box; font-size: 15px; vertical-align: inherit;">Fue estrenado por el Juilliard String Quartet en el primer Festival Interamericano de Música en Washington DC el mismo año y fue considerado un gran éxito. </span><span face="-apple-system, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif, "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol"" style="box-sizing: border-box; font-size: 15px; vertical-align: inherit;">Ginastera revisó el cuarteto una década después en 1968. Este cuarteto representa su tercera fase del neoexpresionismo donde predominan técnicas ferozmente modernas y un brío rítmico que aún encuentra sus raíces esenciales en la danza argentina. </span><span face="-apple-system, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif, "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol"" style="box-sizing: border-box; font-size: 15px; vertical-align: inherit;">Ginastera admiraba mucho los seis cuartetos de cuerda de Bartók y su influencia es fuerte en este cuarteto que a veces se ha llamado "el séptimo de Bartók". </span><span face="-apple-system, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif, "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol"" style="box-sizing: border-box; font-size: 15px; vertical-align: inherit;">Al igual que con los cuartetos cuarto y quinto de Bartók, Ginastera usa una forma de "arco" de cinco movimientos con simetrías de tempo y estado de ánimo entre el primero y el último, </span><span face="-apple-system, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif, "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol"" style="box-sizing: border-box; font-size: 15px; vertical-align: inherit;">el segundo y el cuarto, y un scherzo clave central repleto de técnicas de ejecución avanzadas que él llama significativamente "Presto mágico". </span><span face="-apple-system, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif, "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol"" style="box-sizing: border-box; font-size: 15px; vertical-align: inherit;">Las otras marcas de movimiento sugieren un cuarteto de poderosa expresión y carácter que incluye "rustico", "angoscioso" (anquilosado), "Libero e rapsodico" y, para el final erizado, "furioso". </span><span face="-apple-system, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif, "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol"" style="box-sizing: border-box; font-size: 15px; vertical-align: inherit;">Compleja, inmensamente difícil de interpretar y vívidamente afectiva, se trata de una inconfundible obra maestra moderna para cuarteto de cuerdas, producto de una mente artística verdaderamente original. </span><span face="-apple-system, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif, "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol"" style="box-sizing: border-box; font-size: 15px; vertical-align: inherit;">(angustiado), "Libero e rapsodico" y, para el final erizado, "furioso". </span><span face="-apple-system, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif, "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol"" style="box-sizing: border-box; font-size: 15px; vertical-align: inherit;">Compleja, inmensamente difícil de interpretar y vívidamente afectiva, se trata de una inconfundible obra maestra moderna para cuarteto de cuerdas, producto de una mente artística verdaderamente original. </span><span face="-apple-system, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif, "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol"" style="box-sizing: border-box; font-size: 15px; vertical-align: inherit;">(angustiado), "Libero e rapsodico" y, para el final erizado, "furioso". </span><span face="-apple-system, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif, "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol"" style="box-sizing: border-box; font-size: 15px; vertical-align: inherit;">Compleja, inmensamente difícil de interpretar y vívidamente afectiva, se trata de una inconfundible obra maestra moderna para cuarteto de cuerdas, producto de una mente artística verdaderamente original. </span></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span face="-apple-system, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif, "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol"" style="background-color: black; box-sizing: border-box; color: white; font-size: 15px; vertical-align: inherit;">Fuente: https://www.earsense.org/chamber-music/Alberto-Ginastera-String-Quartet-No-2-Op-26/</span></p>
<iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/duUn84ErOMw" width="560"></iframe>Ricardo Falla Carrillohttp://www.blogger.com/profile/15092340941371854802noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6553764337361144436.post-4422441822317257692020-12-16T07:55:00.016-08:002020-12-16T08:03:00.852-08:00BEETHOVEN. 250 AÑOS<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6M7CDtCtKwU_dY8zkk259y5VBtd3JxEe8oFlqHkWHf_RsyuDX-aFsKskoL3MvS81o8j94mY9yjkGlxtt9D_kRBbYffWnZ8oQJlgUMUaiLM-29q5gNp-2kultk16L8Lt8FdFxje1Xf97RY/s1920/137951.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1920" height="235" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6M7CDtCtKwU_dY8zkk259y5VBtd3JxEe8oFlqHkWHf_RsyuDX-aFsKskoL3MvS81o8j94mY9yjkGlxtt9D_kRBbYffWnZ8oQJlgUMUaiLM-29q5gNp-2kultk16L8Lt8FdFxje1Xf97RY/w418-h235/137951.jpg" width="418" /></a></div><br /><div style="text-align: justify;"><span style="text-align: justify;">El más humano de los músicos, nació un día como hoy, 16 de diciembre de 1770, en Bonn, Alemania. Sin embargo, se hizo parte de todos nosotros, de todas las culturas y países. Porque no hay compositor más universal que Beethoven. </span></div><p></p><p style="text-align: justify;">¿Qué hace a Beethoven particularmente grande? Varias cuestiones. La primera de ellas, es que ya en 1799, había logrado emular a otro gigante como Mozart. Es decir, los asombrosos logros formales de Mozart y la extraordinaria riqueza melódica mozartiana, era igualada por la producción beethoveniana anterior a 1800. Y ello, ya es bastante. La segunda, es que Beethoven logró salir del infierno, aquel que narra en el "Testamento de Heiligenstadt" y transformó esa experiencia en el mayor esfuerzo creador en la historia de la humanidad. Beethoven desde 1802 a 1812, hizo todo lo posible. Durante una década ,este hombre se transformó en una energía capaz de regenerar el "big bang". En serio, lo que salía de esa mente es sencillamente sobrenatural. Ya 1812, podríamos decir que el maestro era el mayor músico de todos los tiempos. Sin embargo, en su última década de vida, nos iba a regalar logros inimaginados. Y, la tercera de estas cuestiones, es que Beethoven hizo lo que ningún otro compositor había logrado hacer: transformar a la música en una forma de pensamiento, de ideas y de afectos profundos. Beethoven elevó a la música al nivel que le corresponde: "logos sonoro", como diría el gran Eugenio Trías. Por eso, a Beethoven, hay que escucharlo como si estuviéramos leyendo la realidad en toda su diversidad y complejidad</p><p style="text-align: justify;">UNA LISTA PERSONAL </p><p style="text-align: justify;">Hay varias obras de Beethoven que deben ser escuchadas y valoradas. Expongo mi lista favorita, la que se me viene a la memoria esta mañana, en que pienso en lo afortunados que somos al haber tenido en nuestra tierra este humano inmenso. </p><p style="text-align: justify;">1. Novena Sinfonía, en re menor opus 125 "Una oda a la alegría". Estreno, 1824</p><p style="text-align: justify;">2. Séptima Sinfonía en la mayor opus 97. Estreno, 1812</p><p style="text-align: justify;">3. Sonata para piano en si bemol mayor n. 29 opus opus 106 "Hammerklavier". 1820</p><p style="text-align: justify;">4. Sonata para piano en fa menor n. 23 opus 57 "Appassionata" . Estreno, 1804</p><p style="text-align: justify;">5. Trio para piano n. 1 en re menor opus 70 "De los espectros". Estreno, 1808</p><p style="text-align: justify;">6. Concierto para piano n. 4 en sol mayor opus 58. Estreno 1805</p><p style="text-align: justify;">7. Sonata para violín n. 9 en la mayor opus 47 "Kreutzer". Estreno, 1803</p><p style="text-align: justify;">8. Tercera sinfonía en mi bemol mayor opus 55 "Heroica". Estreno, 1805</p><p style="text-align: justify;">9. Cuarteto para cuerdas n.13 opus 130 "Gran fuga". Estreno, 1826</p><p style="text-align: justify;">10. Quinta sinfonía en sol mayor opus 67. Estreno, 1805</p><p style="text-align: justify;">11. Cantata a la muerte del Emperador Joseph II WoO 87. Estreno póstumo, 1884. </p><p style="text-align: justify;">12. Concierto para piano n. 5 en mi bemol mayor opus 73. Estrenado, 1811</p><p style="text-align: justify;">13. Sonata para piano en do sostenido menor n. 2 opus 27 "Claro de Luna". Estreno, 1802</p><p style="text-align: justify;">14. Cuarteto para cuerdas en mi bemol mayor n. 12 opus 127. Estreno póstumo</p><p style="text-align: justify;">15. Sonata para piano n.17 en re menor n. 17 opus 31 "La tempestad". Estreno, 1803</p><p style="text-align: justify;">16. Sexta sinfonía en fa mayor opus 68 "Pastoral". Estreno, 1806</p><p style="text-align: justify;">17. Misa Solemne en re menor opus 123. Estreno, 1823</p><p style="text-align: justify;">18. Sonata para piano en do menor n. 8 opus 13 "Patética". Estreno, 1799</p><p style="text-align: justify;">19. Cuarteto para cuerdas en mi bemol mayor n.10 opus 74 "Rasumowsky". Estreno, 1809</p><p style="text-align: justify;">20. Variaciones Diabelli en do mayor opus 120. Estreno, 1823</p><p> </p>Ricardo Falla Carrillohttp://www.blogger.com/profile/15092340941371854802noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6553764337361144436.post-31989522086899658532020-12-06T14:36:00.015-08:002020-12-06T14:42:28.344-08:00Erlkönig de Schubert por Berlioz, Liszt, Reger y Ermst<p style="text-align: justify;"><span style="font-size: medium;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: medium;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: medium;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: medium;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOLCunh0pMCulrJT925Kd3A9XXuXmLyUn1rd958MZKm1FlwesZM5PYsO9ysXeO1YoZBWBmbRsTXJ9dSPDdd19d5SpkhQkDis56n-RCkzTEHrIPkzQft8ikpkNS4Tu7FfwkUQG0wCof_E_t/s747/Erlkoenig_Schwind.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="747" height="268" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOLCunh0pMCulrJT925Kd3A9XXuXmLyUn1rd958MZKm1FlwesZM5PYsO9ysXeO1YoZBWBmbRsTXJ9dSPDdd19d5SpkhQkDis56n-RCkzTEHrIPkzQft8ikpkNS4Tu7FfwkUQG0wCof_E_t/w400-h268/Erlkoenig_Schwind.jpg" width="400" /></a></span></div><span style="font-size: medium;"><br />Sin duda es uno de los lieder más célebres del gran Franz Schubert. Basado en un poema de Goethe del mismo nombre, fue publicado e 1821. Varios de los grandes compositores han versionado al "Rey de los Elfos. Haremos una revisión de las transcripciones que se realizado del conocido lieder del maestro Schubert, donde compositores de la talla de Liszt, Berlioz, Ernst y Reger nos han dado impresionantes versiones</span><p></p><p><span style="font-size: medium;"><br /></span></p><p><span style="font-size: medium;">EL REY DE LOS ELFOS</span></p><p><span style="background-color: black; font-size: medium;"><br /></span></p><pre><span style="background-color: black;"><span style="font-size: medium;"><span style="font-family: Times New Roman;">¿Quién cabalga tan tarde a través del viento y la noche?
Un padre con su hijo, lo lleva seguro y caliente,
al resguardo de su regazo fiel.
- Hijo mío ¿por qué escondes tu asustado rostro?
- ¿Es el rey de los elfos, oh padre, tú no lo ves?
- ¿El rey de los elfos con su corona y manto?
¡Son alucinaciones hijo, que la niebla te hace ver!
¡Oh lindo niño, anda, ven conmigo!
Verás que juegos alegres te enseñaré.
¡Y qué flores tan extrañas florecen en mi orilla,
con las que mi madre hace dorados ramilletes!
- Padre mío, padre mío, ¿no oyes tú las promesas
con las que el rey de los elfos pretende atraerme?
- No hagas caso, hijo mío es la fronda seca del árido
bosque, agitada por el cierzo.
- Lindo niño, ¿no quieres venir a mi palacio?
Te aguardan mis hermosas hijas en la entrada.
Cada una, en la noche, arrullará tu sueño.
y sabrán entretejer sus danzas y cantos,
- Padre mío, padre mío, ¿no ves allá en la sombra,
resplandecer las bellas hijas del monarca?
- Hijo mío, no hagas caso, es la difusa espesura,
lo veo bien y no hay nada más.
- Niño hermoso, amo tu belleza divina;
si no vienes por las buenas, emplearé la fuerza.</span><span style="font-family: Times New Roman;">
- Padre mío, padre mío, ¡mira cómo me aferra!
me lastiman sus manos. ¡Defiéndeme padre!
Atemorizado el padre clava las espuelas a su caballo,
aprieta contra su pecho al lloroso niño,
por fin llega al portal de su casona.
Mira, y en sus brazos el niño está muerto</span></span><span style="font-family: Times New Roman; font-size: medium;">.</span></span></pre><pre><span style="background-color: black; font-family: times; font-size: medium;"><br /></span></pre><pre><span style="background-color: black; font-family: times; font-size: medium;">1. Erlkönig, transcripción para orquesta y barítono por Hector Berlioz</span></pre><pre style="background-color: white;"><br /></pre>
<iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/5hTC_JFQ3IQ" width="560"></iframe><div><br /></div><div><span style="background-color: black; font-size: medium;">2. <span style="font-family: times;">Erlkönig en transcripción para piano por Franz Liszt. Probablemente, una de transcripciones más electrizantes realizadas por el gran compositor húngaro</span></span></div><div><span style="background-color: white; font-family: times; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="background-color: white; font-family: times; font-size: large;"><br /></span></div>
<iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/bRU90U6n_KI" width="560"></iframe><div><br /></div><div><span style="background-color: black; font-size: medium;">3. La versión orquestada por Max Reger</span></div><div><br /></div>
<iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/XcAjgBj4qEo" width="560"></iframe><div><br /></div><div><span style="font-size: medium;">4. Arreglo para violín de <span style="font-family: "Linux Libertine", Georgia, Times, serif;">Heinrich Wilhelm Ernst</span></span></div><div><span style="font-size: medium;"><span style="font-family: "Linux Libertine", Georgia, Times, serif;"><br /></span></span></div><div><span style="font-size: medium;"><span style="font-family: "Linux Libertine", Georgia, Times, serif;"><br /></span></span></div>
<iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/R3h9K4gR2LE" width="560"></iframe>Ricardo Falla Carrillohttp://www.blogger.com/profile/15092340941371854802noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6553764337361144436.post-12176676855852216802020-09-27T18:39:00.008-07:002020-09-27T18:42:04.603-07:00Piano, violonchelo y violín. Los grandes trios (una selección personal)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpx7ULjXWzGYQdqh3PwWFVyOVXJzbypckGqn26eHF5kTBG__GZMut2TQDuesGxqykTDcdU_C5vIsImxlLpsnRWSE8m-_-slynm2-SVoamatdrIG2xx9szBBt3mQGneFRqLRqMlunKMvIaZ/s1000/piano-violin-y-chello.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="666" data-original-width="1000" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpx7ULjXWzGYQdqh3PwWFVyOVXJzbypckGqn26eHF5kTBG__GZMut2TQDuesGxqykTDcdU_C5vIsImxlLpsnRWSE8m-_-slynm2-SVoamatdrIG2xx9szBBt3mQGneFRqLRqMlunKMvIaZ/s320/piano-violin-y-chello.jpg" width="320" /></a></div><p style="text-align: justify;">Los tríos para piano, violonchelo y violín han sido abordados con frecuencia por los grandes compositores. Y es difícil elaborar una lista que haga justicia a un repertorio que posee cumbres con derechos propios y adquiridos. Sin embargo, de tiempo en tiempo me vienen ganas de confeccionar una selección de los tríos para piano y cuerdas que más me han llamado la atención a lo largo de los años. Y esta es la oportunidad. Como en otras oportunidades, me disculpo por las omisiones que podría cometer. Pero me arriesgo, pidiendo disculpas a mis pacientes lectores si faltara algún trío de sus preferencias. </p><p style="text-align: justify;">Empecemos....</p><p style="text-align: justify;">1. Trío para piano y cuerdas en re menor, op 70 N. 1 " De los espectros", de Ludwig Van Beethoven. Compuesto en 1807 y estrenado en 1808. De todos los tríos de maestro de Bonn, probablemente sea el más conocido y el más admirado. Tiene uno de los movimientos más logrados y sombríos de todo su repertorio: largo assai ed espressivo, del que proviene su nombre. A fin de mantener la unidad de la obra, comparto toda la composición, esperando que prestemos atención al segundo, descomunal, movimiento, </p><p style="text-align: justify;"><br /></p>
<iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/_XgK71JuBXA" width="560"></iframe><div><br /></div><div style="text-align: justify;">2. Trío para piano y cuerdas n. 1 en re menor op 49 de Felix Mendelssohn, completado en 1839 y estrenado en 1840. No cabe dudas, que este trío posee uno de los primeros movimientos más románticos del repertorio. Y de debe a la fina inclinación de Mendelssohn por la melodía. Si teníamos por Mendelssohn una actitud contraria a su época, el inicio nos los devuelve a su propia era. Gran trío, necesario en toda colección de música de cámara. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><br /></div>
<iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/myfWRyG_7A0" width="560"></iframe><div><br /></div><div style="text-align: justify;">3. Trio para piano y cuerdas en fa sostenido n. 1 op 1 de Cesar Franck. Compuesto en 1840, con solo 18 años, es una de las muestras más logradas del talento del gran compositor belga. El primer movimiento nos lleva a dimensiones insospechadas de pasión romántica, pero en un nivel de innovación sobrecogedor. En esta obra se anuncian cumbres del repertorio de Franck como la sonata para piano y violín y el quinteto para piano y cuerdas.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><br /></div>
<iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/o87JMLy6nOA" width="560"></iframe><div><br /></div><div style="text-align: justify;">4. Trio para piano y cuerdas en mi menor N.2 op 90 de Camille Saint-Seans. Compuesto en 1892 es una de la obras mejor logradas del repertorio de cámara del ilustre compositor francés. Ya hemos escrito sobre esta joya en una entrada anterior. Y creo que es necesario seguir haciéndole justicia. El primer movimiento: allegro non troppo, es posee una melodía que atraviesa como cuchillo. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div>
<iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/VR3yFtDX0Pg" width="560"></iframe><div><br /></div><div>5. Trío para piano y cuerdas en mi menor N. 4 op 90 "Dunky" de Antonin Dvorak. Una de los tríos que hacen del compositor checo un consumado creador de música de cámara. Este trio se estrenó en 1891 y se inspira en los sonidos populares que tanto fascinaban al gran Dvorak. Todas las seis "dunkas" son de un virtuosismo notable. Vale oro por donde se le mire. </div><div><br /></div><div><br /></div>
<iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/pJ7BBb9jSaY" width="560"></iframe><div><br /></div><div style="text-align: justify;">6. Trio para piano y cuerdas en mi menor n. 2 op 67 de Dimitri Shostakovich. No hay duda que la figura del gran Shostakovich sigue creciendo con el tiempo. Y este trío es uno de los mejores ejemplos de lo que era capaz de componer para el repertorio de cámara. Estrenado en 1941, en plena guerra, está dedicado a la memoria de Ivan Sollertinsky, uno de sus mejores amigos. El trío en mi menor, exige a los interpretes una virtuosismo extremo que, por momentos, raya en la dinámica energética absoluta. Un gran trio, para poner punto final a esta modesta selección.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><br /></div>
<iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/KgVvUHxKb58" width="560"></iframe>Ricardo Falla Carrillohttp://www.blogger.com/profile/15092340941371854802noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6553764337361144436.post-90415642991100179832020-09-15T18:22:00.000-07:002020-09-15T18:22:14.947-07:00José de Orejón y Aparicio: el mayor compositor peruano del siglo XVIII<p style="text-align: justify;"><span style="color: #656464; font-family: Merriweather, serif; font-size: 24px; text-align: center;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnw-SksDC8id9gRJviXbyTUwhcQkInUEK-nZVn_u6_waYF77D_a2RbFFHSrH20o9BEUxPBFT1YzEB0fwPu33iavtVbpFntz4dsQz-t5KzZW4BAtVQr_EfCOYs7uKuZidZMynRoU1LXZ878/s500/cobra0051.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="496" data-original-width="500" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnw-SksDC8id9gRJviXbyTUwhcQkInUEK-nZVn_u6_waYF77D_a2RbFFHSrH20o9BEUxPBFT1YzEB0fwPu33iavtVbpFntz4dsQz-t5KzZW4BAtVQr_EfCOYs7uKuZidZMynRoU1LXZ878/s320/cobra0051.jpg" width="320" /></a></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: Merriweather, serif; font-size: 24px; text-align: center;"><i><span style="color: #656464;">Podría resultar extraño que en un tiempo en el que sufrimos innumerables dificultades, pretendamos escribir algunas líneas sobre un compositor del siglo XVIII. Sin embargo, en estas circunstancias, es cuando debemos recordar a los peruanos más ilustres y darlos a conocer para ponderar nuestros hitos artísticos</span></i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 18px; text-align: start;"><span style="color: #656464;">Cuando pensamos en los compositores más importantes del periodo barroco tardío, se nos vienen a la mente nombres cuya celebridad ha sido largamente reconocida. Vivaldi, Haendel, Telemann y J. S. Bach, tienen un lugar pleno y justificado en la historia de la música. Pero cuando pensamos en los músicos de América Latina del siglo XVIII, inmediatamente, se anuncia un silencio que proviene de la perplejidad ¿Hubo una experiencia de música académica en nuestro medio en aquellos siglos? La respuesta es enfáticamente afirmativa. Y de una calidad notable.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 18px; text-align: start;"><span style="color: #656464;">A comienzos del siglo XVIII, ya se había establecido plenamente una práctica de composición académica en nuestro territorio, sobre todo en las ciudades de Lima, Cusco, Arequipa y Trujillo, como documentan los diversos archivos arzobispales, obispales y cabilderos. Así, bajo el auspicio de la autoridad virreinal y de las órdenes religiosas, llegaron músicos peninsulares y de lo que hoy denominamos, Italia. Dichos compositores, venían con una experiencia ganada en varias cortes, tanto aristocráticas como clericales. Lo que acrecentó la calidad del ecosistema musical de aquel tiempo. Por ejemplo, desde 1717, el gran músico toscano Doménico Zipoli SJ, ejerció su labor en las misiones jesuitas afincadas en Córdoba (por aquel tiempo parte del virreinato peruano) y dejó una copiosa obra esparcida en el sur del continente. Asimismo, se afincaron en Lima, compositores de una importante experiencia, como Tomás de Torrejón y Velazco, Juan de Araujo y Roque Ceruti, entre otros. </span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 18px; text-align: start;"><span style="color: #656464;">Nacido en Huacho en 1706 y fallecido en Lima en 1765, José de Orejón y Aparicio, tuvo como profesores tanto a Torrejón y Velazco como a Roque Ceruti (quienes ostentaron varios cargos musicales). Así, por ejemplo, Orejón tomó de Ceruti el modo italianizante del maestro milanés y lo incorporó en su forma de composición. Ya, luego, en la cima de su carrera, llegó a ser maestro de capilla de la Catedral de Lima en 1760 hasta su muerte, dejando una obra que poco a poco está siendo redescubierta en su real magnitud.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #656464;"><span style="font-family: sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 18px; text-align: start;">El maestro José Quezada Maquiavelo, en la introducción del libro de la profesora Diana Fernández Calvo, </span><strong style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; font-family: sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 18px; text-align: start;">“<em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box;">José de Orejón y Aparicio. La música y su contexto”,</em></strong><span style="font-family: sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 18px; text-align: start;"> al referirse al compositor huachano, afirma que </span><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; font-family: sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 18px; text-align: start;">“es uno de los compositores más importantes en el mundo hispano del siglo XVIII; podría afirmarse que es el de mayor talento entre los nacidos en la América Barroca. Su música lo eleva encima del promedio de los compositores que actuaron en Iberoamérica en su época”</em><span style="font-family: sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 18px; text-align: start;">. Estos justos juicios, descansan en investigaciones musicológicas convenientemente comprobadas y especializadas.</span></span></p><p style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; font-family: sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 1.8rem; line-height: 1.7; margin: 0px 0px 1.875rem; text-align: justify;"><span style="color: #656464;"><span style="font-size: 18px;">Junto a las investigaciones, la obra de Orejón y Aparicio ha tenido una creciente difusión fonográfica. Una de las últimas grabaciones, ha sido publicada por el sello </span><strong style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; font-size: 18px;">Cobra - </strong><span style="font-size: 18px;">especializado en el repertorio poco difundido del renacimiento y barroco –con el bello título </span><strong style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; font-size: 18px;"><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box;">“La esfera de Apolo”</em>.</strong><span style="font-size: 18px;"> Este álbum recopila 20 composiciones del gran compositor peruano, todas ellas de una calidad que supera con creces la producción de otros músicos de su época.</span></span></p><p style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; font-family: sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 1.8rem; line-height: 1.7; margin: 0px 0px 1.875rem; text-align: justify;"><span style="color: #656464;"><span style="font-size: 18px;">Escuchar la cantata </span><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; font-size: 18px;">“Ah, de la esfera de Apolo” </em><span style="font-size: 18px;">o el villancico </span><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; font-size: 18px;">“Ah del día, ¡ah de la fiesta!”</em><span style="font-size: 18px;">, entre otras tantas, es disfrutar el nivel superior de las obras del maestro huachano y reconocer que no lo conocemos como debería ser. Sin embargo, extrañamos en esta compilación las soberbias obras </span><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; font-size: 18px;">“Ah, el gozo”</em><span style="font-size: 18px;"> y, cómo no, </span><em style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; font-size: 18px;">“Mariposa de sus rayos”</em><span style="font-size: 18px;">. Felizmente, tenemos en casa la interpretación de ambas obras que hiciera la maestra Lola Márquez, dirigida por el gran José Quezada Maquiavelo. </span></span></p><p style="-webkit-tap-highlight-color: rgba(0, 0, 0, 0); box-sizing: border-box; line-height: 1.7; margin: 0px 0px 1.875rem; text-align: justify;"><span style="color: #656464; font-family: sf_pro_display, Helvetica, Arial, sans-serif;"><span style="font-size: 18px;">https://rpp.pe/columnistas/ricardoleninalfredofallacarrillo/jose-de-orejon-y-aparicio-el-mayor-compositor-peruano-del-siglo-xviii-noticia-1292370</span></span></p>Ricardo Falla Carrillohttp://www.blogger.com/profile/15092340941371854802noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6553764337361144436.post-83305555704684890642020-08-17T16:06:00.016-07:002020-08-17T16:23:05.691-07:00Trio n. 2 en mi menor Op 92 de Camille Saint-Saëns<p style="text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjw2QstAARFV2rFvyrSQKHe2xZkAOdGeRH7Y-nejKzw7KgA8N_XvP4AIIieGRrpcIAnosyRa5mGp6o1i83LVAi29xMqZah-u9g-i2kcvrP07NrNsPrgrQqlT0Kg6sjnII69YKCn3usAiPYJ/s687/portrait_camille_saint_saens_hi.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img alt="por Charles Paul Renuard" border="0" data-original-height="687" data-original-width="450" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjw2QstAARFV2rFvyrSQKHe2xZkAOdGeRH7Y-nejKzw7KgA8N_XvP4AIIieGRrpcIAnosyRa5mGp6o1i83LVAi29xMqZah-u9g-i2kcvrP07NrNsPrgrQqlT0Kg6sjnII69YKCn3usAiPYJ/w131-h200/portrait_camille_saint_saens_hi.jpg" title="Retratto de Saint- Saëns" width="131" /></a></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;">Escrito entre 1891 y 1892, es una de las composiciones de cámara más logradas del maestro francés. Dedicada a su discípula, la vizcondesa Anna Hoskier, Saint-Saëns le escribía a su confidente Lecocq lo siguiente en una carta:</p><p><i><span style="text-align: justify;">"Trabajo muy dulcemente en trío que será, así lo espero, una desesperación para la gente que tenga la </span><span style="text-align: justify;">desdicha de escucharlo. Tengo todo el verano para poder perpetrar ese horror".</span></i></p><p style="text-align: justify;"><span>Al parecer, Saint-Seans, era plenamente consciente no sólo de la longitud del trío, sino, también, de los efectos que podría ocasionar la desgarradoras melodías que contiene, como la que se encuentra en el primer movimiento. A ese respecto, afirma:</span></p><p style="text-align: justify;"><i>"Este primer movimiento, con su gran frase patética e incluso un poco desesperada se desarrolla magistralmente y sin que el interés decaiga en ningún momento. Hay que tener inspiración para hacer una pieza"</i></p><p style="text-align: justify;">Como vemos, Saint-Saëans sabía muy bien lo que estaba haciendo. Y, por innumerables razones, podría ser uno de los mejores tríos del repertorio romántico. Esperemos que lo que lo disfruten tanto como lo hacemos nosotros. </p><p style="text-align: justify;">Este trío consta de cinco movimientos: </p><p style="text-align: justify;">1. Allegro non troppo</p><p style="text-align: justify;">2. Allegretto</p><p style="text-align: justify;">3. Andante con moto</p><p style="text-align: justify;">4. Gracioso poco allegro</p><p style="text-align: justify;">5. Allegro</p><p style="text-align: justify;">La versión que compartimos es la que fue ofrecida en la Fundación Juan March, en el 2019. Es una excelente interpretaciòn, muy convincente, en todos los sentidos. <br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div>
<iframe allow="accelerometer; autoplay; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/VR3yFtDX0Pg" width="560"></iframe>Ricardo Falla Carrillohttp://www.blogger.com/profile/15092340941371854802noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6553764337361144436.post-18397178373148607582020-07-05T15:45:00.002-07:002020-07-05T15:45:56.143-07:00Silencio por Octavio Paz<font color="#ffffff"><span style="background-color: black;">Silencio </span></font><div><br /></div><div><font color="#ffffff"><span style="background-color: black;">Así como del fondo de la música </span></font></div><div><font color="#ffffff"><span style="background-color: black;">brota una nota </span></font></div><div><font color="#ffffff"><span style="background-color: black;">que mientras vibra, crece y se adelgaza</span></font></div><div><font color="#ffffff"><span style="background-color: black;">hasta que en otra núsica enmudece,</span></font></div><div><font color="#ffffff"><span style="background-color: black;">brota del fondo del silencio</span></font></div><div><font color="#ffffff"><span style="background-color: black;">otro silencio, aguda torre, espada,</span></font></div><div><font color="#ffffff"><span style="background-color: black;">y sube, y crece y se suspende</span></font></div><div><font color="#ffffff"><span style="background-color: black;">y miestras suben caen</span></font></div><div><font color="#ffffff"><span style="background-color: black;">recuerdos y esperanzas, </span></font></div><div><font color="#ffffff"><span style="background-color: black;">las pequeñas mentiras y las grandes, </span></font></div><div><font color="#ffffff"><span style="background-color: black;">y queremos gritar y la garganta</span></font></div><div><font color="#ffffff"><span style="background-color: black;">se desvanece el grito: </span></font></div><div><font color="#ffffff"><span style="background-color: black;">desembicaos al silencio</span></font></div><div><font color="#ffffff"><span style="background-color: black;">en donde los silencios enmudecen </span></font></div><div><font color="#ffffff"><span style="background-color: black;"><br /></span></font></div><div><font color="#ffffff"><span style="background-color: black;"><br /></span></font></div><div><font color="#ffffff"><span style="background-color: black;">Tabuka Rasa II: Silentium, Arvo Pärt (1977)</span></font></div><div><font color="#ffffff"><br /></font></div><div><font color="#ffffff"><br /><span style="background-color: black;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/2kKO4naPSX0" width="320" youtube-src-id="2kKO4naPSX0"></iframe></div></span></font></div><div><font color="#ffffff"><span style="background-color: black;"><br /></span></font></div><div><font color="#ffffff"><span style="background-color: black;"><br /></span></font></div><div><font color="#ffffff"><span style="background-color: black;"><br /></span></font></div><div><font color="#ffffff"><span style="background-color: black;"><br /></span></font></div>Ricardo Falla Carrillohttp://www.blogger.com/profile/15092340941371854802noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6553764337361144436.post-51868775756061069432020-06-24T13:54:00.000-07:002020-06-24T14:07:33.393-07:00Trio para el Gran Confinamiento´: una cumbre de Shostakovich<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHRpnyiYTEcpOvzDno-tqhYse5TsYuRCkoRw_1Ri8dUru0sZ98-u-n_qGK_IwpWhOx41QHRh3SbV0T5z6vywBlFOrAcojY0zveRPh_65C7R-pYU7OuKAOH7Lzqf5h3xkuahdfhsFQm9pMp/s1600/1462572055_146257_1462572055_noticia_normal.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="551" data-original-width="980" height="179" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHRpnyiYTEcpOvzDno-tqhYse5TsYuRCkoRw_1Ri8dUru0sZ98-u-n_qGK_IwpWhOx41QHRh3SbV0T5z6vywBlFOrAcojY0zveRPh_65C7R-pYU7OuKAOH7Lzqf5h3xkuahdfhsFQm9pMp/s320/1462572055_146257_1462572055_noticia_normal.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
Si el pienso el mundo de estos días, este es su sonido, su latido, su "forma de ser". Veo el horizonte de la húmeda ciudad de Lima con este "Andante" que puede partir el alma. Pero que, también, nos enseña a entender esto con la profundidad que se merece. Llego al "Largo" y pienso en todo el amor y la angustia que se unen en un solo momento, en un solo segundo. Y si el "Allegretto"se encadena a mi cerebro, sé que toda la vida pende sobre un hilo, pero volverá a ser así cueste otra vida. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En noviembre de 1944, el gran Shostakovich estrenó su trío para piano, violín y violonchelo, N. 2 en mi menor op 67, dedicado a su amigo Ivan Sollertinsky, quien murió durante la SGM. Este es sin duda uno de los trío más logrados del repertorio. Inmenso como todo lo que hizo el mayor músico del siglo XX. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Los movimientos son: </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Andante</div>
<div style="text-align: justify;">
Allegro con brio</div>
<div style="text-align: justify;">
Largo</div>
<div style="text-align: justify;">
Allegretto</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<iframe allow="accelerometer; autoplay; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/KgVvUHxKb58" width="560"></iframe>Ricardo Falla Carrillohttp://www.blogger.com/profile/15092340941371854802noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6553764337361144436.post-74352859085856856152020-04-02T15:59:00.000-07:002020-04-02T16:01:26.077-07:00Bruno Maderna : 100 años<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjIb1E_mLv96o9CRCtzD9NcWGMFeq0wPXl4QdUfu2Q4aiiO3PhWeKJH2bTh8gz7VW67iBDIHPuS-stJ61ZDdz9TihmPXYPA3-Drx7jdOb02tOhjbPqd0U9ZBrxaaqIRkBwWK_KUsJdl6K3X/s1600/images.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="225" data-original-width="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjIb1E_mLv96o9CRCtzD9NcWGMFeq0wPXl4QdUfu2Q4aiiO3PhWeKJH2bTh8gz7VW67iBDIHPuS-stJ61ZDdz9TihmPXYPA3-Drx7jdOb02tOhjbPqd0U9ZBrxaaqIRkBwWK_KUsJdl6K3X/s1600/images.jpg" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<b style="background-color: white; color: #222222; font-family: sans-serif;"><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b style="background-color: white; color: #222222;"><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: large;"><br /></span></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="background-color: #444444; color: #cccccc; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><b>Bruno Maderna</b> (<a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Venecia" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-image: none; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial;" title="Venecia">Venecia</a>, 21 de abril de 1920 — <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Darmstadt" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-image: none; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial;" title="Darmstadt">Darmstadt</a>, 13 de noviembre de 1973) fue, junto a Luciano Berio y Luigi Nono, una de las figuras fundamentales de la música italiana y occidental del siglo XX. En los últimos años la obra de Maderna ha sido injustamente olvidada. De pronto, las composiciones de otros músicos notables de su generación como Boulez, Stockhausen, Ligeti, Xenakis, los otros nombrados lineas arriba, etc,. ha ocultado una producción que se caracterizó por la más absoluta libertad expresiva. Incluso Boulez, en una entrevista, dijo que Maderna era el músico más libre y autónomo de todos aquellos. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="background-color: #444444; color: #cccccc; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="background-color: #444444; color: #cccccc; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Maderna fundó con Berio el "Studio di Fonologia" de Milán en los años cincuenta y, luego, con otros grandes músicos de su generación, la "Escuela de Darmstadt". Además, tuvo una notable presencia como director de obras de música moderna y contemporánea. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><span style="background-color: #444444; color: #cccccc;"><br /></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><span style="background-color: #444444; color: #cccccc;">En días que gran parte de la humanidad se encuentra confinada, es necesario reencontrarse con uno de los músicos más importantes del siglo pasado. Un músico que respira libertad. No hay que olvidar que el gran Pierre Boulez le dedicó una inmensa: Ritual en memoria de Bruno Maderna. </span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><span style="background-color: #444444; color: #cccccc;"><br /></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><span style="background-color: #444444; color: #cccccc;">Obras más reconocidas de Bruno Maderna: </span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><span style="background-color: #444444; color: #cccccc;"><br /></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div class="MsoNormal">
<span style="background-color: #444444; color: #cccccc;">Hyperion</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="background-color: #444444; color: #cccccc;">Honeyrêves<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="background-color: #444444; color: #cccccc;">Quadrivium<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="background-color: #444444; color: #cccccc;">Aura<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="background-color: #444444; color: #cccccc;">Austrahlung<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="background-color: #444444; color: #cccccc;">Concierto para oboe no. 3<o:p></o:p></span><br />
<span style="background-color: #444444; color: #cccccc;"><br /></span>
<span style="background-color: #444444; color: #cccccc;">Compartimos Quadrivium de Bruno Maderna, una obra que nos lleva las "artes liberales" en toda su meditada extensión.<span style="font-size: large;"> </span></span></div>
<br />
<iframe allow="accelerometer; autoplay; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/i_HCO1VcS3I" width="560"></iframe>Ricardo Falla Carrillohttp://www.blogger.com/profile/15092340941371854802noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-6553764337361144436.post-1189977838811200502020-01-28T14:40:00.000-08:002020-01-28T14:40:05.050-08:00El sonido y la furia: Beethoven, 250 años de su nacimiento<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivVPhgZ3-uS-QoDG33HyXR0TULw0kqum8CWnv-8948P2fSXQyNoVQt_qDkSXnBfK0znUpHpbHvV9kd3T9rs4dT0Zb7LhUvB1E0EYPm1FUe8d3lE1mbBC7Ku2Us9nixOdhBAvArdMlDTXI2/s1600/093509_892840.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="731" data-original-width="1300" height="179" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivVPhgZ3-uS-QoDG33HyXR0TULw0kqum8CWnv-8948P2fSXQyNoVQt_qDkSXnBfK0znUpHpbHvV9kd3T9rs4dT0Zb7LhUvB1E0EYPm1FUe8d3lE1mbBC7Ku2Us9nixOdhBAvArdMlDTXI2/s320/093509_892840.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i style="mso-bidi-font-style: normal;"><br /></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Versión de mi columna en RPP: <a href="https://rpp.pe/columnistas/ricardoleninalfredofallacarrillo/el-sonido-y-la-furia-beethoven-250-anos-de-su-nacimiento-noticia-1241996">https://rpp.pe/columnistas/ricardoleninalfredofallacarrillo/el-sonido-y-la-furia-beethoven-250-anos-de-su-nacimiento-noticia-1241996</a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i style="mso-bidi-font-style: normal;"><br /></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i>Basta ver cualquier agenda de conciertos de música académica de los
cinco continentes, para advertir que se han programado obras de Beethoven (1770-
1827) con miras a ser interpretadas. La razón no es desconocida. Este 2020 se
cumplen 250 años del nacimiento del gran compositor alemán.</i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Emil Cioran, pensador y melómano
impenitente, consideró que Beethoven- al introducir los cambios de humor en la
música- la había viciado, dejando entrar, incluso, a la ira. No era para menos.
Poco después de cumplir los treinta años, el gran compositor alemán anunció a
sus hermanos su firme decisión de poner fin a sus días. Así, en el célebre <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Testamento de Heiligenstadt </i>(1802),
Beethoven hizo evidente la desesperación que le ocasionaba el aumento sostenido
de la sordera y cómo esta situación lo llevaba a encerrarse en sí mismo y a
prescindir de cualquier contacto humano. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Para un compositor, la pérdida de
la audición es probablemente la mayor tragedia. Sin embargo, Beethoven pudo
superar el estado de desesperanza que le ocasionó la sordera. E inició su
momento de mayor producción musical. Justamente, en el periodo que va desde
1799 a 1812, es cuando el compositor revoluciona gran parte de las formas
musicales y crea las condiciones sonoras para el romanticismo musical. Al
transformar a la música en un vehículo de su autoexpresión, le insertó de
manera abierta sus sentimientos, incluidos la ira y la tristeza. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Beethoven fue el puente entre
clasicismo y romanticismo y el primer compositor abiertamente moderno pues
introdujo la subjetividad en la música. Y, al mismo tiempo, la necesidad
ajustar la forma a los requerimientos sentimentales e intelectuales del
compositor. La música, en términos románticos, es un medio para expresar la
subjetividad del artista. Así, el romanticismo musical del siglo XIX (Chopin,
Schumann, Liszt, Mendelssohn, Wagner, Brahms, Saint- Sëans, Tchaikovski,
Smetana, Dvorak, Mahler, etc.), en sus diversas manifestaciones, acusó recibo
del legado beethoveniano. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Por estas razones y otras, se
puede mirar el interior de Beethoven al escuchar gran parte de sus composiciones.
Asistir a los conflictos y las luchas apasionadas de su interior. Pero también
descubrir su enorme capacidad para contemplar la naturaleza y la vida con un
asombro cósmico. En Beethoven hay emoción por todo lo que nos rodea: los bosques,
el mar, las estrellas, etc. Igualmente, por la historia humana y las diversas
maneras cómo se manifiesta lo humano. En ese sentido, Beethoven fue el primer
compositor que articula las ideas y los sentimientos en un proyecto estético. Y
en pos de esa intensión, abrir nuevos caminos. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
En el catálogo de las obras de
Beethoven se distinguen sus nueve sinfonías (que incluye la coral, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Una oda a la alegría</i>”), sus cinco
conciertos para piano y su único para violín.<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>Asimismo, varios cuartetos para cuerdas, sobre todo los últimos ocho.
También las sonatas para piano y violín y, sin duda, sus monumentales 32
sonatas para piano (que incluyen: “Patética”, “Claro de Luna”, “Appassionata”,
“Tempestad”, “Walstein”, “Hamnerklavier”).<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>Amén de su “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Misa Solemnis</i>” y
su ópera “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Fidelio”</i>. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Por estas razones, invitamos a
descubrir o redescubrir el legado de uno de los mayores compositores de la
historia. Aprender a reconocer que hay otras sensibilidades estéticas
diferentes a la nuestra. Y a disfrutar, desde el asombro, el ejercicio creador
de un ser humano particularmente dotado.<span style="mso-spacerun: yes;">
</span><o:p></o:p></div>
<br />Ricardo Falla Carrillohttp://www.blogger.com/profile/15092340941371854802noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6553764337361144436.post-74329267146325443712020-01-21T07:59:00.000-08:002020-01-21T08:02:56.397-08:00La palabra y el ritmo: el Maestro Neil Peart<br />
<div style="text-align: justify;">
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;">La palabra y el ritmo: <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>el
Maestro Neil Peart<o:p></o:p></b></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><br /></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDBgBqEvj77RT7UfBAiZIwpKxcXlHH-EYZbV3P3vNixLNO1LimNiqkUpWByMLpwVYgQosVWxecoA6SKPpnXcbOt_Yc7vpONlZ1XzqMYuu1RxABr8fGXNDUSlrXf1vqRn3qwWaFR17nDWlS/s1600/gNWYLMdi2qGqruy9WiUe4X.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDBgBqEvj77RT7UfBAiZIwpKxcXlHH-EYZbV3P3vNixLNO1LimNiqkUpWByMLpwVYgQosVWxecoA6SKPpnXcbOt_Yc7vpONlZ1XzqMYuu1RxABr8fGXNDUSlrXf1vqRn3qwWaFR17nDWlS/s320/gNWYLMdi2qGqruy9WiUe4X.jpg" width="320" /></a></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br />
<div style="text-align: justify;">
<b>Artículo que salió en mi columna de RPP el lunes 20 de enero. Enlace al final. </b><br />
<br /></div>
</div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="text-align: right;">
Por Ricardo L. Falla
Carrillo<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i style="mso-bidi-font-style: normal;">No es común entre nosotros que en el ámbito académico se reflexione
sobre manifestaciones de la cultura popular como el rock y sus variantes. Pero
asumiendo el legado artístico de Neil Peart, baterista y letrista de la banda
canadiense “Rush”, creemos que es importante alguna glosa local sobre este importante
músico.<o:p></o:p></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
El viernes 10 de enero del
presente año, se anunció la muerte de Neil Peart (Toronto, 1952), compositor,
arreglista, percusionista y letrista de la banda de rock progresivo canadiense <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Rush</i>, agrupación musical que fue fundada
en 1968 por los músicos Geddy Lee (bajo, sintetizadores y voz principal y Alex
Lifeson (guitarra y voz). Y a la cual se integró Neil Peart en 1974,
sustituyendo al primer baterista. A pesar de ser una “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">banda de culto”</i> (el prog rock no suele ser muy masivo), Rush ha
logrado vender cerca de 50 millones de álbumes en su larguísima carrera y ha
tenido un impacto en la formación de músicos en todo el mundo, sobre todo por
la enorme calidad musical de sus tres intérpretes. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Pero el valor de Rush no puede
ser medido sólo por el número de ventas de sus discos o por sus muy exitosas
giras. Más bien, su valor está en la capacidad de sus músicos, sobre todo, por
la portentosa capacidad instrumental del que fue su baterista: Neil Peart. Para
muchos de los entendidos, Peart fue el mejor baterista del mundo porque asumió
la creación musical como una incesante búsqueda de perfeccionamiento, una
búsqueda que jamás concluyó. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Tras terminar la última gira de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Rush</i> en 2015, Peart explicó cómo
elaboraba sus célebres <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">solos de batería</i></b>: <i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Día tras día, semana tras semana, después
que ensayábamos esa parte del espectáculo y entregaba mi boceto del solo de
batería, estaba un poco preocupado por el sonoro silencio. ¿Qué significaba? Me
preocupaba que mis ambiciones fueran demasiado altas: mi alcance excedía mi
alcance. (A menudo, honestamente, casi siempre, pero tal vez esta vez
demasiado). No iba a preguntarle a nadie lo que pensaban, ¡temiendo demasiado
la respuesta! En cualquier caso, procedía completamente por fe en una idea, y
esa dedicación solitaria no fue fácil”</i>. Esta cita demuestra que Peart
estaba exigiéndose constantemente, buscando el ideal del <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">solo de batería</i></b>, aquel
que fuera capaz de expresar, como él mismo afirmaba, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">“toda la vida”</i>. Es decir, una obra de percusión que pueda llegar
ser el arquetipo y la síntesis del <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">solo de batería</i></b>. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
¿Por qué Neil Peart tenía esas
pretensiones tan elaboradas en términos estéticos? Porque fue un hombre que
cultivó la mente en la lectura dedicada y paciente. Peart leía muchísimo y de
manera muy reflexiva. De ahí que las letras de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Rush</i> suelen ser profundas sin dejar de tener la contundencia de la
canción popular. Por ello, los tópicos de las letras de Rush poseen un amplio
espectro. Desde la épica libertaria de “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">2112”</i>
(influenciada de Ayn Rand), la ensoñación mítico-romántica de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Xanadu</i>” (Coleridge) o de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Rivendel”</i> (Tolkien)<i style="mso-bidi-font-style: normal;">,</i> una relectura de Nietzsche en el clásico “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tom Sawyer”</i>. La exploración epicúrea en “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Time Stand Still”</i> y la existencial en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Bravado”</i>. Pero también, el análisis psicosociológico en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Subdivisions” </i>y “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Middletown Dreams”</i>. <span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">La
reflexión ética de “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Big money”,</i> “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Manhattan project” y “Distant early warning”.
</i></span>La contemplación estética de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">"Losing
It"</i> y <i style="mso-bidi-font-style: normal;">"Time and
Motion"</i>. Y el amplio lirismo espiritual de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">“Presto”</i> y <i style="mso-bidi-font-style: normal;">“The garden”. </i>Todo
esto es sólo una pequeña muestra de los intereses temáticos de Peart, que se
pueden rastrear en 19 de los 20 álbumes de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Rush</i>.
<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
El martes 7 de enero, el músico
canadiense murió tras no poder superar un agresivo cáncer al cerebro. Veinte
años atrás, había logrado salir del hoyo más profundo, cuando su primera hija y
su primera esposa murieron en un lapso de tres meses en 1997. En aquel momento,
Peart abandonó <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Rush</i> por dos años y se
dedicó a viajar por el mundo en motocicleta, tratando de encontrar un sentido después
de tamaña tragedia. Así el 2000, Peart retornó a <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Rush,</i> a la vida (se volvió a cazar, tuvo otra hija) y la maquinaria
progresiva volvió a moverse hasta el 2015, cuando se despidieron por todo lo
alto. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">En el último álbum de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Rush</i> se encuentran estos versos que sirven de epílogo para este
homenaje: “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">The measure of a life is a
measure of love and respect, /so hard to earn so easily burned/ In the fullness
of time, /A garden to nurture and protect”. <o:p></o:p></i></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br />
<a href="https://rpp.pe/columnistas/ricardoleninalfredofallacarrillo/la-palabra-y-el-ritmo-el-maestro-neil-peart-noticia-1240612?fbclid=IwAR34PYWrMywNxrXN04Q8pvgb3vXFuWg8qLs-ayWWiiYoprwTsGpK0bMz8ug">https://rpp.pe/columnistas/ricardoleninalfredofallacarrillo/la-palabra-y-el-ritmo-el-maestro-neil-peart-noticia-1240612?fbclid=IwAR34PYWrMywNxrXN04Q8pvgb3vXFuWg8qLs-ayWWiiYoprwTsGpK0bMz8ug</a></div>
</div>
Ricardo Falla Carrillohttp://www.blogger.com/profile/15092340941371854802noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6553764337361144436.post-10291809448128478562019-03-15T10:41:00.000-07:002019-03-15T10:41:46.390-07:00Saint Seans y la navegaciòn material a partir de un piano espiritual<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEizBeiYSRLTdxfQjim2ArbIkLzWPFckmrqKescCezpPafxvYisCSlL-P9GT0mSpgaBmjKegp3_UPHdYrMaK0n4fFHKwMfRXsMgHd22ChrgBCmM12-Au31Bab5tBos9kxtLCoLVuocubLxvj/s1600/untitled.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1225" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEizBeiYSRLTdxfQjim2ArbIkLzWPFckmrqKescCezpPafxvYisCSlL-P9GT0mSpgaBmjKegp3_UPHdYrMaK0n4fFHKwMfRXsMgHd22ChrgBCmM12-Au31Bab5tBos9kxtLCoLVuocubLxvj/s320/untitled.png" width="245" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Hay obras que se encubren o se descubren. Obras que logramos cubrir como una inmensidad de sensaciones o sentimientos. U obras que descubrimos con las palabras adecuadas. En ambos casos, construimos una obra desde el abordaje integral de lo que somos. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
He vuelto a descubrir el Segundo Concierto para Piano en sol menor op 22 de Camile Saint Seans, compuesto en 1868. Pero en este descubrimiento también hay elementos de cubrimiento. Escucho este concierto desde el desvelamiento material y lo presiento hacia plano espiritual. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
De los tres movimientos que componen este concierto, el primero "Anadante Sostenuto" y el tercero "presto", son los que pueden arrebatarnos. ¿De qué modo? La incesante sucesión de planos sonoros, las tensiones que el piano debe soportar tanto en su soledad como en su lucha con la orquesta, hace que la escucha (descubrimiento/cubrimiento), se presente como una experiencia de rapto material. A lo que nos expone Saint Seans en estos movimientos, es la obligación a superar el medio sensitivo habitual y buscar en nuestra materia otra formas del cuerpo. Cuando escucho el "Anadante" y el "Presto", me siento obligado a tener un cuerpo nuevo. Y, por lo tanto, un alma que se encuentre a corde con ese cuerpo. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Este concierto, sin duda, está entre lo mejor del repertorio concertante. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<iframe allow="accelerometer; autoplay; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/tVCvJZtzkqQ" width="560"></iframe>Ricardo Falla Carrillohttp://www.blogger.com/profile/15092340941371854802noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-6553764337361144436.post-80044482525324152612018-11-29T15:40:00.002-08:002018-11-29T15:43:23.385-08:00Sinfonía Alpina de Strauss: impresiones de una obra mayor<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjp37oMTXfVVKZC5BxXhHa0sTn4yWXl_y6-nm2PYGHTtpmv2WjyFVyDdjvoOrdprgnwE8S8jw6QKrknGwxkeA07gGvNYt6bGlgMOg8NOotNL6GEkl8ZEGP1tack32PwWLnbol9-LAkBvNgm/s1600/Caspar_David_Friedrich_-_Wanderer_above_the_sea_of_fog.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1250" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjp37oMTXfVVKZC5BxXhHa0sTn4yWXl_y6-nm2PYGHTtpmv2WjyFVyDdjvoOrdprgnwE8S8jw6QKrknGwxkeA07gGvNYt6bGlgMOg8NOotNL6GEkl8ZEGP1tack32PwWLnbol9-LAkBvNgm/s320/Caspar_David_Friedrich_-_Wanderer_above_the_sea_of_fog.jpg" width="249" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Caminante en un mar de nubes. C. D. Friedrich, 1818.<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.8px;"><br /></span></div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm; orphans: 2; text-align: justify; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;">
<span style="background-color: #f4cccc; color: black; font-size: 13.5pt;"><br />I. ¿Quieres saber cómo se
hace una sinfonía programática? Aquí la respuesta. Debes tener una idea, fija,
estable; capaz de visualizarse en innumerables paisajes sonoros, incluso los
que nadie más podría vislumbrar. Debes, asimismo, haber tenido visiones de aquí
y de más allá. Haber transfigurado tu visión desde lo más hondo de ti mismo.
Sólo, de ese modo, podrás tener la imaginación suficiente para una empresa
creativa de esta magnitud. <o:p></o:p></span></div>
<div style="margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm; text-align: justify;">
<span style="background-color: #f4cccc;"><br /></span></div>
<div style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm; orphans: 2; text-align: justify; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;">
<span style="background-color: #f4cccc; color: black; font-size: 13.5pt;">II. Llegado el momento, Strauss
entendió bien lo que Caspar David Friedrich quiso representar en su
pintura <i>El Caminante sobre el mar de nubes </i>de 1818 (200 años
cumple esta obra mayor del romanticismo). Quizás Strauss estuvo en
esas mismas nubes. O esas nubes llevaron a Strauss.<o:p></o:p></span></div>
<div style="margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm; text-align: justify;">
<span style="background-color: #f4cccc;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm; text-align: justify;">
<span style="background-color: #f4cccc; color: black; font-size: 13.5pt;">III. Pensar que Nietzsche también miró la
eternidad desde las cumbres de Sils Maria.<o:p></o:p></span></div>
<div style="margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm; text-align: justify;">
<span style="background-color: #f4cccc;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm; text-align: justify;">
<span style="background-color: #f4cccc; color: black; font-size: 13.5pt;">IV. Hacer filosofía como la Sinfonía
Alpina. ¿Te imaginas? ¿Será posible ahora? ¿O no es más que una vieja ilusión
que descansa en la nada, tras la era de la postnaturaleza? <o:p></o:p></span></div>
<div style="margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm; text-align: justify;">
<span style="background-color: #f4cccc;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: .0001pt; margin: 0cm; text-align: justify;">
<span style="background-color: #f4cccc; color: black; font-size: 13.5pt;">V. ¿Mahler o Strauss? Según las ambiciones
del día. Mahler musicalizó “La Canción de la Medianoche” para su Tercera
Sinfonía. Strauss, todo el Zaratustra. Los dos, amaron a Nietzsche. <o:p></o:p></span><br />
<span style="background-color: #f4cccc;"><span style="color: black; font-size: 13.5pt;"><br /></span>
<span style="color: black; font-size: 13.5pt;">Sinfonía Alpina Op 64 de Richard Strauss. Compuesta en 1911, año que murió Gustav Mahler. Todo coincide. </span></span></div>
<br />
<iframe allow="accelerometer; autoplay; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/FQhpWsRhQGs" width="560"></iframe>Ricardo Falla Carrillohttp://www.blogger.com/profile/15092340941371854802noreply@blogger.com2